El Cuarto Azul

The Drums mezclado por Saint Etienne

2010-05-26T09:21:00.000-07:00

Un video emocionante y fantasmagorico

2010-05-24T20:47:00.000-07:00

Massive Attack presenta su fantasmágorico video para "Psyche"

http://www.youtube.com/watch?v=aP0ZivkIOhk

Marsheaux de Atenas nos regalan un mix

2010-05-24T20:38:00.000-07:00

Queridos lectores y seguidores de este blog, El Cuarto Azul ya no reflejará los pormenores de un programa musical que ya no existe sino que que presentará puntualmente diversos temas y mixes que son parte habitual del nuevo segmento El Ying y el yang y las diversas sesiones musicales de Lebotronico en este nuevo período. Aqui les dejo un inspirador mix indie pop con toques griegos

01. Sally Shapiro: ‘Jackie Jackie’
02. Faux Love: ‘Desire’ [Intro]
03. Annoula + Miranda [Marsheaux treatment]
04. Lio: ‘Amoureux Solitaires’
05. Anoraak: ‘Nightdrive With You’
06. N.O.I.A.: ‘Stranger In A Strange Land’ [Club Mix]
07. Tobias Bernstrup: ‘Neon Love’
08. Fever Ray: ‘Triangle Walks’ [Rex The Dog Remix]
09. Two Door Cinema Club: ‘Something Good Can Work’
10. MGMT: ‘Flash Delirium’
11. Fotonovela: Untitled Demo 2010
12. Groove Armada: ‘Paper Romance’ [Fotonovela Remix]
13. Kylie Minogue: ‘All The Lovers’
14. Faithless: ‘Feel Me’ [feat the ONE AND ONLY Neil Arthur]

Enlace para bajar este mix

http://www.mediafire.com/?yymygjm5fnu

Espíritus y hadas de Islandia para cerrar el 2009

2009-12-23T13:14:00.000-08:00

La unión artística entre Jón “Jónsi” Birgisson de la famosa banda islandesa Sigur Rós y su compañero sentimental Alex Somers, o lo que es lo mismo, Riceboy Sleeps, por fin ha dado sus frutos con el proyecto Jonsi & Alex, con el álbum de curioso nombre, Riceboy Sleeps.

Grabado íntegramente en Islandia bajo la brillante batuta de Peter Katis en la producción (Interpol, The National, Tokio Police Club), Riceboy Sleeps es un álbum profundamente humano y espiritual, donde no hay textos, sólo abstractos paisajes de lento desarrollo que son un auténtico canto a la vida.

Todo empezó hace un casi un año cuando se incluyó “Happiness”, el tema que abre el disco, en la ejemplar compilación “Dark was the night”, junto a artistas tan ilustres como Anthony Hegarty, Arcade Fire o Sufjan Stevens. La felicidad, ese concepto que ha dado tanto que hablar a filósofos y poetas a lo largo de la historia, es, obviamente, el tema central de esta canción, pero sin duda, es también la filosofía que encierra este proyecto: al parecer, el nombre del grupo proviene de los tiempos en que Jónsi conoció a Alex. Por aquel entonces, Somers era muy pobre y sobrevivía comiendo arroz y durmiendo mucho. Una noche, mientras Jónsi escribía una canción, concentró su mirada en Alex mientras éste dormía y con gran ternura pensó: “Riceboy Sleeps”. Desde mi punto de vista, “Happiness” trata precisamente de esos pequeños-grandes momentos, de esos microestados que nos envuelven cuando, por ejemplo, observamos como duerme el ser al que amamos. Este disco es pura poesía aural y la pluma en este caso tiene forma de instrumentos acústicos, arreglos de cuerda del compositor de música clásica Nico Muhly y las colaboraciones habituales, aunque no por ello menos brillantes, del cuarteto Amiina y el coro Kópavogsdætur.

Tras trabajar esta base instrumental con ordenadores portátiles solares (y por tanto, ecológicos) han conseguido un resultado orgánico increíble: una ola en su flujo de marea enterrado bajo silbidos, crujidos, ritmo y distorsión analógicos, el chirriar de una perforación, radios crepitando al fondo, cucharas… El sonido fluye muy poco a poco, despacio, opuesto a ese despotismo de la velocidad que domina la contemporaneidad y nos hace cada vez más infelices, o como ellos mismos plantean, “a veces, parece que el sonido llega a través de los mares del tiempo, con acrobáticas figuras musicales antiguas y tambaleantes crescendos tan lentos como un amanecer, o un ingrávido coro tipo mantra cantando desde algún lugar en la Edad Media a través de los siglos”.

Según un reciente anunció desde su sitio Web, Jón Birgisson acaba de finalizar su ópera prima como solista, un álbum al que ha decidido bautizar bajo el simple título Go. Su lanzamiento oficial tiene fecha para el 22 de marzo del año próximo, tiempo en el cual se distribuirá a nivel mundial por cuenta de XL Recordings. Al contrario de aquella traza electrónica que había ostentado The Riceboy Sleeps, Go se presentará enteramente en clave acústica, exhibiendo arreglos de cuerda del músico académico Nico Muhly y la voz de Jónsi, quien en esta ocasión decidió interpretar en inglés gran parte de las canciones. Como adelanto, en la Web del cantante de Sigur Rós ya se puede escuchar el track “Boy Lilikoi”. Por lo demás, cabe decir que tras la producción del álbum se encuentran el propio Jónsi, su pareja, Alex Somers, y Peter Katis. Fue grabado en Islandia y ultimado en los estudios Tarquin de Connecticut, Estados Unidos.

Riceboy Sleeps – Riceboy Sleeps (2009, Parlophone)

Tracklist:

1. “Happiness”

2. “Atlas song”

3. “Indian summer”

4. “Atokkseyri”

5. “Boy 1904″

6. “All the big trees”

7. “Daníell in the sea”

8. “Howl”

9. “Sleeping giant”

El programa final de 2009 en este vínculo

http://rapidshare.com/files/324986750/PROG_LUNES__21__DIC_2009__RICEBOY.mp3

(Una observación importante ante diversos señalamientos: las descargas de Rapidshare se ven limitadas en horarios como el mediodía y media tarde y suele salir el mensaje que solo pueden bajar los subscriptores premium. No aminalarse o frustrarse por esto e intentar bajar los archivos en horas de la noche, contra más tarde mejor. Gracias)

Faithless infunda nueva fe en el dance music

2009-12-20T20:43:00.000-08:00

Un CLASICO EN EL CUARTO AZUL

Faithless es una referencia internacional en la escena house y dance, uno de esos grupos que siempre acaban saliendo en las conversaciones de los amantes del género, una de esas formaciones cuyo nuevo álbum siempre viene precedido por una enorme expectación. Se trata de un cuarteto formado por los productores Rollo y Sister Bliss, y los vocalistas Jamie Catto (previamente en The Big Truth Band) y Maxi Jazz (de The Soul Food Cafe Band). No obstante, en su origen, que data de 1993, se trató de un dúo, el formado por la pareja de productores. Anteriormente, Rollo había producido varios hits para los clubs, como Don’t you want me, firmado como Felix, en 1992, además de producir un álbum para Kristine W. y remixes para The Pet Shop Boys, Björk y Simply Red. Sister Bliss, por su parte, intérprete prodigio de violín desde los cinco años, se convirtió en una de las mejores DJs de acid house de finales de los ochenta, y también editó varios singles bajo su nombre. En 1996 Faithless se hizo enormemente popular con tres hits consecutivos: Salva mea (ese año no hubo un sólo asiduo a los clubs que no lo bailara o pidiera), Insomnia y Reverence. Su debut se produjo a finales del año, con el álbum Reverence, en el sello Cheeky Records, dirigido y creado por Rollo, seguido, ese mismo año, por el doble-CD Reverence/ Irreverence, en el que se incluye también un segundo disco con remezclas de los temas de la edición original.

Su segundo trabajo de estudio, Sunday 8pm, se editó en 1998, y también tuvo su proyecto de remezclas asociado, de modo que, un año después, llegó a las tiendas el doble-CD Sunday 8pm/ Saturday 3am, que incluye reinterpretaciones de Nightmares On Wax, Paul Van Dyk, Skinny o Venom & Hempolics, además de versiones alternativas y temas inéditos. En el 2000 firmó un CD-mix de la conocida serie de DMC, Back To Mine, que precedió a su tercer disco, Outrospective (2001) y al habitual proyecto de remezclas asociado, Outrospective. Reperspective The Remixes (2002), en el que figuran remixes de Wookie, Brothers On High, P-Nut, Dusted, Ernest St Laurent o Hiver & Hammer, junto con una serie de piezas inéditas. Los seguidores de Faithless tuvieron entonces que esperar tres años para escuchar el cuarto álbum de estudio, No Roots, en el que participó un nuevo miembro, LSK, y que estuvo acompañado por una referencia con las versiones instrumentales, Everything Will Be Alright Tomorrow. En el 2005 salió a la venta el recopilatorio de éxitos Forever Faithless y, un año después, el trabajo de estudio To All New Arrivals, en el que colaboran Harry Collier, Robert Smith, Cass Fox, Dido, One Eskimo y Cat Power. En el 2006 también amplió su discografía en calidad de compilador con el triple-CD Renaissance: 3D (Renaissance). Los tres años siguientes deparan al menos una novedad: Live In The UK 2007 (Columbia Records, 2007), el DVD Live In Moscow (Warner Music, 2008 ) y un segundo recopilatorio, Insomnia: The Best Of (Camden Deluxe, 2009).

Enlace:

http://rapidshare.com/files/307902844/PROG._MIER._21_OCT_2009__FAITHLESS.mp3

Resident Advisor elige a los mejores Dj´s de este año 2009

2009-12-20T19:45:00.000-08:00

Steffen Berkhahn aka

Dixon

Si existe un referente sobre actualidad electrónica y red social de clubbers y artistas de este mundillo esa es, sin lugar dudas, la web Resident Advisor. Uno de los portales musicales más completos y rigurosos de los que se pueden encontrar en la red de redes. Dicha web, como cada año, pregunta a sus lectores sobre cuales han sido sus djs favoritos durante la temporada que toca a su fin. Este año no iba a ser una excepción, al igual que la lista de djs no sorprende, siempre resulta agradable no encontrarse con Tiestos, Armins Van Burens, etc. Como ocurre en Tops como el de DjMag. Desde Mixside.com os queremos acercar el Top10 con los mejores pinchadiscos del casi pasado 2009. Disfrutarla.

Número 1: Richie Hawtin

El gigante canadiense sigue en la cresta de la ola. Pese a que cada vez es más cuestionado por algunos sectores del ámbito musical (sobretodo por sus facetas que se salen de lo estrictamente musical), no cabe duda que sigue siendo un auténtico maestro y que ha inventado una nueva forma de mezclar, sentando una nueva escuela en el arte del Djing cuyos alumnos no hacen más que aumentar.

Número 2: Ricardo Villalobos

Posiblemente la antítesis de Hawtin. Si el primero destaca por su concentración, su detallismo o el uso de tecnología y música digital, Villalobos es mucho más tradicional, dj amante del vinilo, de los subidones psicotrópicos y la improvisación. Villalobos es la antítesis de la predictibilidad y lo mejor y lo peor pueden ocurrir cuando el está en cabina. Poco importa si es irregular, esta encuesta demuestra que la gente lo ama y, seguro, el también ama a su público.

Número 3: Luciano

El tercero en discordia. La gran controversia levantada por este dj y productor aún sigue latente. Muchos hablan de que ha vendido el sonido de sus sets a la comercialidad del techno rumba o techno patxanga, ven en Cadenza un declive en calidad considerable a la par que el número de lanzamientos ha aumentado en gran número y para colmo, comentan que su LP de estudio “Tribute To The Sun” ha estado muy por debajo de sus posibilidades. No cabe duda de que nos queda poco de aquel Lucien Nicolet de principios de década, el genio ha mutado, para desesperación de los puristas… Su sonido se ha hecho más global, más accesible y, por qué no, también mucho más divertido. Como dicen la gente de RA: “El Rey ha muerto. Larga vida al rey”

Número 4: Loco Dice

Loco Dice se ha pasado la mitad del 2009 actuando junto a Luciano en un sinfín de eventos. La otra mitad del año, el artista se ha permitido girar alrededor del mundo con actuaciones en clubes de ambiente mucho más íntimo, alejado de las Open Air. Este tour ha sido un éxito total y, a buen seguro, una de las razones por la que este artista ocupa el top5 de dj’s mundiales.

Número 5: Marcel Dettman

Sonar, Japón, Sudamérica, Berghain…. Muchos y diferentes públicos se han rendido ante el buen trabajo de Dettman tras los platos. 2009 ha sido un año en el que se ha reconocido a gran escala el esfuerzo y la dedicación que este artista ha puesto en su trabajo. ¿Qué mejor reconocimiento que este puesto número 5, por delante de muchos top djs mundiales?

Número 6: Dixon

¿Qué decir de Dixon que no haya sido dicho ya? Este dj no se ha hecho famoso por inventar nuevas formas de mezclar ni por hacer sonar los últimos hits o los temas más aclamados. La clave de su éxito es una selección finísima de temas de ayer y de hoy, ejecutados con absoluta maestría. Su capacidad para llevar al público a donde el quiere en el momento que el quiere se ha convertido en su mejor baza. El resultado: el sexto mejor pinchadiscos del mundo (aunque para mí es sin duda el mejor).

Número 7: Sven Vath

Lo de Sven va mucho más allá de la música. Lo suyo se basa en sus dotes de performance. Mezclas simples pero mucho espectáculo tras la cabina ha sido siempre el concepto tras el cual el capo de Cocoon se ha escudado a lo largo y ancho de su carrera. Selección exquisita, llena de tracks nuevos e, incluso, exclusivos y grandes dosis de showman son los ingredientes que vuelven a poner al teutón en el top10 de djs mundiales. A buen seguro que Sven seguirá ahí el próximo año… y el siguiente también.

Número 8: Seth Troxler

Posiblemente esta sea la incorporación más destacada al top10. Prácticamente un debutante en esta lista, el buen saber hacer de Troxler en la cabina le ha valido el reconocimiento mundial. Su residencia en la capital electrónica, Berlín, ha conseguido que el boca a boca sobre sus sets se haya convertido en una bola de nieve de suficiente magnitud como para incluirle en este ranking. Seguir atentos a Seth, cuando os descuidéis estará en el número 1.

Número 9: Magda

La primera figura femenina que aparece en la lista no podía ser otra que Magda. La fiel acompañante de Hawtin continua cautivando al público con su tech house minimalista, lleno de mezclas exquisitas y grandes temas. Poco material publicada en el 2009, un año dedicado a su labor como dj, donde uno de sus trabajos más destacados es el cd-mix elaborado para Fabric. La reina del minimal sigue mandando en el panorama electrónico internacional.

Número 10: Joris Voorn

Mucho se ha hablado durante el 2009 del retorno del sonido Detroit. Joris Voorn, procedente de las mismas latitudes que la ciudad del motor aunque con un océano en el medio, podría ser considerado como el mejor representante de este sonido en las nuevas generaciones. Sus directos quitan el hipo y su trabajo en estudio debería ser un ejemplo académico. El público de RA no es tonto y lo sabe…Por eso ha incluído a Voorn como el décimo artista de esta prestigiosa lista.

Mixside/Resident Advisor

Moonbotica y su maridaje salvaje en El Cuarto Azul

2009-12-20T08:27:00.000-08:00

¿Cuál es el resultado de mezclar un campeón de backgammon y el exintegrante de una agrupación de Hip Hop? Aunque suene increíble, una de las agrupaciones más importantes de Alemania. Se trata de Moonbotica, dueto de música electrónica conformado por Oliver Kowalski y Tobias Schmidt. Este dueto de productores y pinchadiscos hacen un estupendo maridaje de house, electro y techno, lo que ellos afirman, “da como resultado una música un poco más crispy con un sonido mucho más fuerte”. Este par de artistas decidieron, acostados en una playa, hacer un pacto para crear música con el motivo principal de desarrollar lo que a ellos les gusta. Construir sonidos que puedan ser percibidos como simples, pero que detrás de ellos se esconde un complejo proceso de selección que se basa en el principio básico del buen gusto y la satisfacción personal. Este estilo salvaje que define a Moonbotica reúne ritmos antiguos y modernos en el que su destreza y recorrido en la escena musical electrónica es la encargada de encajarlos perfectamente.

Enlace para el programa

http://rapidshare.com/files/322137894/PROG_VIERNES_27_NOV._2009__MOONBOTICA.mp3

Mátices del soul y los grooves más raros con Soulpersona

2009-12-17T20:34:00.000-08:00

Soulpersona, Soulacoster

Un chico cuyo nombre real se resiste a entregar y que viene de Cardiff (Gales) de esa pequeña urbe con puerto hacia un mar frío frío, donde el único divertimento pasa por pasar las largas horas en un Pub bebiendo pintas de Guinness o componiendo música soñadora. Pero Soulpersona es un creador polifacético, ya que puede remezclar a Beyoncé como hacer un album perfecto de música con visos de nujazz, raregrooves y R&B de altura. Su última producción se llama Soulacoster y viene de la mano del sello Digisoul, escudería que dirige con su hermano Tom: una mezcla de inspirados tracks cargados de colaboraciones con gente de lo más variopinta como Princess Freesia, Darien (Reel People), Kia Bennett (D’Angelo), Sibel Thrasher de la legendaria RAMP, Deborah Jordan (Silouette Brown), Replife y Juliette Ashby. Un disco redondo con reminiscencias a la música funky y raregroove, con muchos toques de acid jazz, con una etiqueta como imagen de presentación (la del nujazz) pero sobre todo con una dosis de soul increible. Ya sabeis, alguna base de violines, triangulos sonando sin parar, algo de órgano electrónico, y luego pequeños retoques que hacen de estas 15 piezas una coherente y verdadera obra de arte

No dudeis en escuchar este álbum en El Cuarto Azul con el sonido más exquisito!

Soulacoaster Tracklisting

01. Flying Easy (Feat. Deborah Jordan)
02. Candy Wrapper (Feat. Princess Freesia)
03. Dont Go (Feat. Darien)
04. Get My Shit Together (Feat. Juliette Ashby)
05. Walk On Through (Feat. Princess Freesia)
06. So Natural (Feat. Kia Bennett)
07. Alright (Feat. Replife & Princess Freesia)
08. In Your Eyes (Feat. Sibel Thrasher)
09. Perfect Life (Feat. Princess Freesia)
10. Cant Hide (Feat. Darien)
11. Loungin (Feat. Replife)
12. Freesias Late Night Fantasy (Feat. Princess Freesia)
13. Weightless (Feat. Deborah Jordan)
14. Lifetime (Feat. Kia Bennett)
15. Imagine (Feat. Sibel Thrasher)

El enlace

http://rapidshare.com/files/321928720/PROG_LUNES__14__DIC_2009__SOUL_PERSONA.mp3

Pop y electro con dejo francés con Kitsuné Vol. 8

2009-12-17T19:34:00.000-08:00

Ya está aquí. El octavo volumen de las recopilaciones de temporada del sello francés Kitsune, salió el pasado 16 de noviembre y esta vez nos entrega material de bandas en auge como los estupendos Midnight Juggernauts y otros nombres nuevos comoTwo Door Cinema Club. The Chic and Nice Issue es el subtítulo de este compilatorio, que en pocas palabras, es la música que ya deberías estar escuchando. Esta edición incluye algunos nombres conocidos como The Drums, Midnight Juggernauts con un nuevo track que anuncia la salida de su nuevo disco, Hearts Revolution, los Two Door Cinema Club repitiendo luego del éxito del anterior volumen que además les sirvió para hacerse más conocidos. Recientemente parece que los franceses y australianos acaparan toda la escena electrónica, aunque al darle play a High Together de Siriusmo bastara para recordar la memorable época en que nadie le quitaba el titulo de monarcas del electropop a Alemania.

El programa en este vínculo:

http://rapidshare.com/files/322256616/PROG_JUEVES_10_DIC_2009_KITSUNE.mp3

Para presentar la compilación, hay un divertido video con el que también aprovechan para mostrar un adelanto de la colección primavera-verano 2010 que sacará el sello (con tiendas en tienda en París y una recientemente abierta en Londres).

http://www.youtube.com/watch?v=NMmndh37PjM

Lady Gaga en El Cuarto Azul. POP HERMAFRODITA Y AUDAZ

2009-12-09T15:50:00.000-08:00

Bien, sabemos que muchos de ustedes dirán ¿que hace una recomendación del disco de Lady Gaga en El Cuarto Azul?, tengo una razón, la chica esta haciendo cosas bastante interesantes dentro de pop, pese a quien le pese. Si bien muchas de las veces, no voy muy de acuerdo con toda la parafernalia que existe alrededor de Lady Gaga, debo admitir que la música que hace es asunto aparte, se le agradece que no venga haciendo la mierda de pop como todas las demás (si no escuchen a Rihanna y su último bodrio y ni hablar de Britney Spears por citar algunas). Creo que Lady Gaga junto con otras cantautoras pop más (Annie, La Roux y Little Boots) vino a darle de regreso lo cool al genero pop.

Es por esto, que esta vez les recomendamos el disco The Fame Monster (Deluxe Edition) de Lady Gaga, el disco cuenta con una producción de esas que aunque no te guste, admites que esta muy bien hecho, además contiene unos bonus tracks. Un año después de su album debut, The Fame Monster tiene 8 canciones inéditas incluyendo el sencillo ‘Bad Romance’. Este sencillo encabeza la lista de los más bajados en iTunes y se perfila como uno de sus grandes éxitos junto a ‘Just Dance’, ‘Poker Face’ y ‘Paparazzi’. Esta artista no ha llegado a ser conocida en todo el mundo sólo por su talento musical, una imagen excéntrica de maquillajes fuertes y alta costura constituyen su atractivo visual mientras su capacidad performativa y agresividad escénica completan su propuesta. Este perfil es apoyado por el colectivo artístico Haus of Gaga y el diseñador de modas Víctor de Souza. El relanzamiento del disco tuvo lugar el 23 de noviembre, sin embargo ya pueden descargar el segmento musical donde estrené este disco. Ojala que lo disfruten sean o no fans del pop.

El tracklist de The Fame Monster Deluxe Edition es el siguiente:

Disco 1.

Just Dance

LoveGame

Paparazzi

Poker Face

Eh, Eh (Nothing Else I Can Say)

Beautiful, Dirty, Rich

The Fame

Money Honey

Starstruck

Boys Boys Boys

Paper Gangsta

Brown Eyes

I Like It Rough

Summerboy

Disco 2.

Bad Romance

Alejandro

Monster

Speechless

Dance in the Dark

Telephone

So Happy I Could Die

Teeth

El link es

http://rapidshare.com/files/315313235/PROG_MIER_25_NOV_2009_LADY_GAGA.mp3

The XX, un mundo nocturno, ingrávido, fantástico y algo Azul.

2009-12-03T13:16:00.000-08:00

Mientras colapsa el ciclo de grupos rocanroleros-urgentes-callejeros que ha dominado el pop-rock británico durante más tiempo de los psicológicamente permisible, anda el Reino Unido musical sumido en el dilema de no tener una moda a la que agarrarse ¿Insólito? Sin duda, amigos, sin duda ¿Y entonces, qué sale ahora allí? Sean pacientes y sigan leyendo, por favor.

Por un lado están los nuevos cantautores, que hay un montón y todos son amiguitos y bastante indies, aunque como cantautores sean ciertamente un poquito farsantes: en realidad, lo que quieren es ser estrellas del pop. Por otro lado queda el siempre recurrente rap a la inglesa, máxime este año que el premio Mercury se lo ha llevado, para estupefacción generalizada (incluida la de ella misma), Speech Debelle. Y por la calle del medio circulan varios grupos noveles que ni forman una escena ni tienen mucho en común salvo que comparten un tono trágico, triste y romántico (en su decimonónica acepción), un interés por hacer música trascendental y una estética oscurilla (aunque no son emos ni siniestros, que se sepa). Dos de estas bandas se han convertido en superventas y eso debería ser tomado como síntoma de algo. Se trata de White Lies y Glasvegas (prometedores, querrían ser los nuevos Jesus & Mary Chain). Ahora debutan también The Big Pink (grandilocuentes, algo así como The Verve híper distorsionados)

The xx han llegado y están aquí para quedarse.

Como The xx, vayamos al túetano de la cuestión. Son dos chicos y dos chicas que coincidieron en el instituto cuando tenían 15 años. Ahora acaban de cumplir 20. Son patológicamente tímidos, en las entrevistas apenas articulan dos frases seguidas hablando para el cuello de sus camisetas negras. Aparentemente, no sonríen nunca (ni si quiera cuando se les hace cosquillas en los pies). Hace tres años les descubrió el dueño del pequeño sello Young Turks, quien vió que juntar a aquellos adolescentes de mirada huidiza y peinado imposible con un productor y una fecha límite no iba a funcionar, así que les hizo una copia de la llave del estudio casero del sello y les dijo, 'cuando terminen de grabar, me avisan'. Tardaron dos años en acabar el disco, ¡pero qué disco!

Probablemente el debut homónimo de The xx suena tan personal por eso, porque lo compusieron y grabaron con libertad para fantasear, para imaginar, para dar forma a un sonido en el que los silencios son tan físicos y rotundos como un pedrusco. Influidos por la noche, por los sueños y por las vivencias letárgicas que parecen irreales (todos ellos tuvieron trabajos nocturnos, al parecer, en tiendas de 24 h y establecimientos similares), crearon canciones que envuelven, canciones que son como habitaciones en penumbra, casi a oscuras: nada más entrar en ellas, uno no ve nada, pero poco a poco van apareciendo los volúmenes y las formas de un pequeño mundo fantasmal. Canciones intimistas de pop tocadas con lo mínimo, pero en la que entra de todo, incluso ritmos r&b. temas como 'Crystalised' y 'Basic Space' (disponibles en you tube), trasladan a imágenes, con pocos medios y mucho acierto, el mundo nocturno, ingrávido, fantástico y algo tenebroso de su música.

Aqui el link para escuchar tan prodigiosa banda

http://rapidshare.com/files/315358522/PROG._MARTES._20_OCT_2009_THE_XX_XX.mp3

Versiones de lujo con Destruments

2009-12-03T13:05:00.000-08:00

Esta banda residente de Oakland, California se reúne en 2003 y hoy día está conformada por Kelly Finnigan, Sean Willson y Adam Willis, tres jóvenes que se unieron por el amor mutuo por el R&B, Hip-Hop, Soul, Funk y la música jazz, capturando así la esencia de las diversas corrientes de la música urbana de los EEUU. El sonido ecléctico, orgánico y funky del trío está muy presente en este álbum de versiones que ha sido editado simultáneamente con su sexto disco de estudio, Shaped By the Sound, en el sello japonés Ivory Soul Recordings. Dos notables placas cuya multiplicidad de texturas y ritmos prácticamente crean un nuevo sub-genero dentro del R&B contemporáneo con la ayuda de instrumentistas y cantantes como los Texacali Horns, Austin Bohlman, Lee Thornburg y Vince Foster Jr. Memorables en el álbum de tributos la sensacional versión del ya clásico What you won´t do for love de Bobby Caldwell o el hermoso I Can´t help it de Michael Jackson entre otros temas. Esencial.

Para bajar el programa:

http://rapidshare.com/files/315375857/PROG_MIER_18_NOV_2009_DESTRUMENTS.mp3

India electrónica por el Cuarto Azul

2009-11-16T14:26:00.000-08:00

Aunque se pueda pensar que India no cuenta de un circuito propio de música electrónica, recientemente un artículo publicado por el Economic Times in India puso de manifiesto lo contrario, por medio de un análisis que sacó a relucir los diversos aspectos de su emergente escena.

Estudios realizados por diversas entidades indican que en estos momentos casi un 4% de la industria musical de India corresponde a la escena electrónica autóctona, una cifra elevada teniendo en cuenta que en Estados Unidos estaríamos hablando sólo de un 1%. Artistas como Joi, Nitin Sawhney, Talvin Singh, State of Bengal o Barmarsh and Shri, ya se habían hecho de la estima internacional, lo que movió los engranajes de la comunidad artística de India dando lugar a que diversas electro-agrupaciones tales como Kohra, Tatva Kundalini, Jayant, Jalebee Cartel, Sattyananda, Shaair+Func o Anil Chawla, entre otras tantas, establezcan sus propias plataformas discográficas y comiencen a despachar su música libremente…

Actualmente los artífices electrónicos locales se encuentran ganando adeptos a velocidades inverosímiles, y es que muchos de ellos interpretan en hindi, lo que contribuye a que sus sonidos tengan mayor difusión en los medios comerciales indios, pero con todo, el país ya cuenta con su propia cadena de radio independiente centrada en la música electrónica, cuyo director además tiene previsto lanzar la primera revista especializada el mes entrante.

En otras esferas, como en el mundo de la moda, también se empezaron a utilizar sonidos vanguardistas para los desfiles, y esto ocurrió de la noche a la mañana pasando desapercibido por muchos, pero lo cierto es que tiempo atrás ya se habían establecido diversos clubes orientados a la música electrónica como 360 degree, FBar o Bluefrog, y éstos fueron los que empezaron a difundir la música electrónica. Incluso, hoy por hoy India tiene su propio festival electrónico, el cual se celebra anualmente bajo el nombre Sunburn.

Todo este surgir tardío de la música electrónica en India guarda estrecha relación con su inequívoco florecimiento en la totalidad de las artes, lo cual se viene dejando ver incluso en los círculos del cine, pues largometrajes de elevada calidad correspondientes a cineastas tales como Farah Khan, Vidhu Vinod Chopra, Ashutosh Gowariker y demás, han puesto al país en la mira de todo cinéfilo, y ahora sus músicos apuntan a ganarse a los melómanos. Hasta se podría pensar que la cultura club se ha puesto de moda en India, pero algunos artistas autóctonos han declarado que no se debe ver de tal forma, pues refirieron que la música electrónica tiene que ser tomada como un movimiento de culto, y es necesario darle tiempo puesto que aún le queda mucho por recorrer. Habida cuenta del buen enfoque que tienen estos talentos emergentes indios, es posible que durante la próxima década muchos de ellos empiecen a descollar a nivel internacional, y esto sería más que bienvenido, ya que le infundiría nuevos bríos al circuito electrónico…

Economic Times in India.

A proposito de este movimiento musical hindú, el sello californiano Six Degrees Recordings ha editado digitalmente un compilado que muestra a varios de los artistas hindúes o europeos de influencias indias que editan en su escudería globalizada.

El programa El Cuarto Azul :

http://rapidshare.com/files/307927753/PROG._MARTES_20_OCT_2009_6_DEGREES_INDIAN.mp3

Port Royal, sonido etéreo y ambiental en Club Magenta

2009-11-16T11:58:00.000-08:00

Port-Royal es una banda de la norteña Génova, que forma parte importante de la actual escena post-rock italiana. Fue formada el año 2000 por Attilio Bruzzone (Guitarra y Teclados) y Ettore Di Roberto (Piano y Teclados). A ellos se les sumaría Michele Di Roberto (Batería), Emilio Pozzolini (Sampling), y Giulio Corona (Bajo). Se caracterizan por su música eterea de gran instrumentación y sonidos ambientales, que los acerca a bandas como Mogwai y M83 entre otras. ''Dying in Time''es su último álbum de reciente aparición donde el trío de Génova tiene un sonido más electrónico que antes, aunque permanecen bastantes destellos de esa musical ambiental con toques de post-rock que hacían en su trabajos pasados. Esta obra tiene dos partes más o menos diferenciadas. En la primera, nos encontramos con sonidos más cercanos a los anteriores trabajos de Port-Royal. Sonidos más oscuros y tétricos con estruendos electrónicos muy luminosos. Y en la segunda se nota más esa parte más electrónica aunque el disco se cierre con una canción ''Post-Rockera'' alucinante. Algunos de los temas más destacados de este trabajo son: ''Nights in Kiev'', ''Exhausted Muse/Europe'', ''Susy:Blue East Fading'', ''The Photossopped Prince'', ''Balding Generation''(Losing Hair As We Lose Hope) que posee un video estupendo ya rotando por you tube y las 3 partes de ''Hermitage'', en especial la última. Larga duración del grupo: Flares (Resonant Recordings 2005) Afraid To Dance (Resonant Recordings 2007) Flared Up - Remixes (Resonant Recordings 2008) Magnitogorsk - split LP with Absent Without Leave, 4 tracks each artist (Sound In Silence 2008) Dying In Time (n5MD, debruit&desilence, Sleeping Star, Isound Labels 2009)

Este es el programa del venidero jueves 19 de noviembre Description: Port-Royal-Dying_In_Time You can use the following link to retrieve your file: http://www.sendspace.com/file/wn8h77

El nervio vital de Gregor Tresher

2009-10-23T15:34:00.000-07:00

Gregor Tresher – The Life Wire (2009, Break New Soil)
Break New Soil editó el pasado septiembre el nuevo álbum de Gregor Tresher precedido por unl EP de igual nombre, el cual revelaba dos temas del larga duración; por un lado “Escape to Amsterdam“, un track simplista con poco que ofrecer, y por otro, la pista consignada a dar nombre al álbum, que al contrario de “Escape to Amsterdam“, dio al oyente mucho que esperar del larga duración de Gregor Tresher. Por otra parte, en marzo Break New Soil había liberado el 12” The Heartbeat Orchestra, cuyo track homónimo finalmente fue incluido en The Life Wire como cierre
El álbum se inicia con “Ghosts”, una pista que, al tempo de una base break, avanza espesada de oscuridad sonora, en gran parte producto de la conjunción de melodías parcas y densos pads. Seguidamente se deja oír “The Very End”, un tema Tech House que si bien se presenta de neto corte minimalista, posee buenas dosis de groove, pues al resuelto bpm se suman un bajo juguetón y unos buenos vocales, lo que ayuda a delinear un ritmo hipnótico en grado sumo. En tercer y cuarto lugar se encuentran “Escape to Amsterdam” y “The Life Wire” respectivamente; el primero es un track minimalista no muy revelador, pero el segundo es, en cambio, un tema movedor, totalmente conducente al baile, que no por casualidad da nombre al álbum. De seguida damos con “Nothing For Granted”, otra propuesta minimalista no exenta de buen ritmo, en su caso, aportado por un buen bajo Funk y cierta traza Trance, la cual desaparece cuando llega la experimentación sonora cargada de Electro de “1982”. “Fire On Fire”, “Awaking Life Inside” y “Plutonian Shores” tienen en común el objetivo, pues los tres apuntan claramente a la pista de baile, de suerte que comparten el groove dinámico y desenfadado, en algunos casos de fuertes tintes Electro, y en otros, de ciertos ecos Trance. El décimo track, “Days For Minor Keys”, es una pequeña pieza experimental que seguramente ejerce de interludio, pero “Black Six Survival”, “For Years To Come” y “The Heartbeat Orchestra”, vuelven a invitar al baile ya en un plan más Techno, cerrando así el álbum con una buenas dosis de intensidad…

Si bien Gregor había dicho que iba a sumar vocales a las producciones de The Life Wire, la verdad es que esto no se ha notado demasiado, pues salvando “The Very End”, en los demás temas sólo estaríamos hablando de simples juegos vocales, lo cual, en cualquier caso, se oye más que bien… Por otra parte, lo que no se puede pasar por alto es la gran cantidad de tracks que dan cuenta de una nueva virada en el sonido del alemán, posiblemente hacia los

dominios del Trance, o mejor dicho, del Neo Trance… Por lo demás, aunque hoy por hoy sean pocos los álbumes de los cuales se puede decir, sin faltar a la verdad, que son trabajos sin desperdicio de principio a fin, el caso de The Life Wire es, con toda probabilidad, una excepción a la regla; el larga duración de Gregor Tresher es, en resumidas cuentas, una obra redonda, que no exhibe yerros significativos, sino que, por el contrario, contiene trece temas excelentes a varios niveles, sobre todo si de groove eficaz se habla…

http://rapidshare.com/files/295090341/GREGOR_TRESHER_PROG_JUEVES_01-10-09_MONTADO.MP3

Jazz y house en Amour total con Jimpster

2009-10-20T22:43:00.000-07:00

El británico Jamie Odell es la cabeza pensante de Jimpster y uno de los creadores del sello house Free Range Records, siendo además en la actualidad uno de los productores de nu-jazz más interesantes, que comenzó empezó editando 3 EPs antes de fichar por el sello Kudos donde le permitieron grabar su segundo larga duración Messages From The Hub (antes, en 1997, había debutado con Martian Arts en el sello Instinct Ambient). En esta segunda obra Odell fusionaba la música en vivo con música secuenciada a la manera contemporánea. Una vez editado el disco le llovieron las ofertas para remezclar a gente de escenas tan diversas como Lamb, Mixmaster Morris, Wai Wan o Airto Moriera, así como alguna producción para los “atunes ninja” Coldcut y para el maestro Kirk Degiorgio. Vale la pena asistir a sus directos por su puesta en escena, gracias al trabajo de los siempre ninguneados VJ y, por supuesto, de la música que emana de unos instrumentos que son de verdad. Ciudades como Berlin, Lisboa, Tokyo y Dublín ya han reconocido la labor en vivo y en directo de Jimpster. En el 2002 termina su tercer LP también publicado en Kudos y titulado Domestic Science. Tras cuatro años sin publicar nada, saca su cuarto LP Amour en septiembre de 2006 en Freerange. Dos años después lanza el recopilatorio Selected Remixes 2004-2008 con lo mejor de sus remezclas para gente como Kiko Navarro o Motorcitysoul que también sale publicado en Freerange....

Escuchen Amour en

http://rapidshare.com/files/295224850/LUNES_05_OCT_2009_JIMPSTER.MP3

Gus Gus estrena sexto álbum en el Cuarto Azul

2009-09-23T17:16:00.000-07:00

Gus Gus probablemente sea la banda mas aclamada y exitosa que ha emergido de Reyjavik, Iceland (ciudad con no mas de 100,000 habitantes) desde "The Sugarcubes". Igual que su compañera de nacionalidad Björk, han desarrollado un sonido muy propio, innovador y desafiador, muy accesible y hasta en cierta forma bailable.

Gus Gus está formado por nueve miembros. Sus edades oscilan entro los 19 y 30 años los cuales atraviesan una amplia gama de intereses, incluyendo 2 directores de películas, un programador de computadoras, un fotógrafo, un DJ, un actor, un político, y un productor de películas. La banda abarca Steph, Daniel Agust, Biggi Thorarinsson, Magnus Jonsson, Herr Legowitz, Hafdis Huld, Stefan Arni, Siggi Kjartansson and Baldur Stefansson.

Se unieron casi accidentalmente cuando Kjartansson y Stefan Arni buscaban un reparto para una película corta que estaban realizando. Cuando la filmación se pospuso, los escritores Daniel y Siggi propusieron grabar un álbum. "Polydistortion", su primer álbum, fue grabado en 11 agitados dias y lanzado a finales de 1995 en 4AD

En junio de este año editaron el tema Add This Song, y una de las buenas noticias figuradas en aquél single había sido el regreso del vocalista Daníel Ágúst, quien no se dejaba ver en las filas de GusGus desde los tiempos de 4AD, pero que en esta ocasión retornó y no sólo para prestar su voz en el track “Add This Song”, sino para hacerlo en gran parte de los temas que conforman 24-7, el sexto álbum de estudio de los islandeses.

Pero la vuelta de Daníel Ágúst no es la única sorpresa que gira entorno al nuevo larga duración de GusGus, pues entra en razón decir que su acogida en Kompakt y el hecho de que éste sea el encargado de publicar 24-7 constituye otra de las novedades, y no poco importante, ya que nos anuncia un nuevo viraje en el sonido de los de Islandia. Y aunque han pasado numerosos artistas por la agrupación y ésta ha recorrido diversas sendas sonoras como Pop electrónico, Trip Hop, House y tantas más, vale aclarar que su esencia aún sigue latente, si bien, es de entender que en su nuevo trabajo por fuerza algo debía cambiar, pero lo bueno es que ese “cambio” le sienta bien…

El meollo del asunto ya era obvio, pues el sexto álbum de estudio iba a ser editado por Kompakt, de lo que se deducía que el sonido de GusGus debería adaptarse al sello alemán, es decir, mostrarse en clave más minimalista orientándose, de este modo, a la pista de baile actual. Lo cierto es que la reforma sonora no fue nada difícil para estos productores con quince años de trayectoria, tanto menos cuanto que los de GusGus ya venían desplazando su música hacia la escena clubbing desde tiempo atrás, y a gran parte de los temas que conforman su nueva obra ya los habían presentados en diversos conciertos durante este verano. Con todo, en vistas de que 24-7 se presenta en clave 4×4 al completo, no por esto se debe pensar que es un típico álbum de estudio, pues fue ejecutado y grabado en vivo con el equipo que GusGus suele utilizar en sus directos, de suerte que a este respecto es claro que su modus operandi sigue siendo el mismo de siempre…

El propio Birgir Þórarinsson describió el álbum como un cruce entre el GusGus de los noventa, algo de Dub, Techno minimalista, mucho sintetizador modulado y, por supuesto, el toque que le confiere la performance en vivo… Sumando estos ingredientes, los islandeses han completado un total de seis pistas que, pese a ser tan escasas, de igual forma consiguen que el disco raye en la hora de duración final. El track apertura, “Thin Ice”, comienza con unos mantos recargados y profundamente ambientales sobre los que se enredan los vocales de Daníel, pero poco más tarde, pasados ya los tres minutos, se corta todo por las buenas y sólo queda el bpm al desnudo, el cual lentamente se va enriqueciendo de diversos matices sonoros hasta que nuevamente entran los vocales en medio de lo que parecer ser, acaso, otra fase totalmente distinta del tema. “Hateful” se resulta del mismo procedimiento, aunque en su caso se debe decir que se trata de un track mucho más espeso, en el que vuelve a destacar la intervención del vocalista, pues el bombo envuelto en pads oscuros y melodías estridentes hace de asiento para su voz, y ésta, a su vez, parece hacer eco chocando contra todas las sonoridades deconstruidas, generando así un curioso efecto de reverberación que flota por sobre todo el tema, ni más ni menos que lo que ocurre con “On the Job”, un pariente que sólo difiere en que opta por avanzar a un tempo inverosímilmente lento. En “Take Me Baby” sigue primando la oscuridad pero el ritmo se hace ciertamente más resuelto, y seguramente el punto condicionante de uno y otro factor sean los sucios vocales de Jimi Tenor, artista invitado que se encargó de escribir e interpretar el tema. Sobre el final se encuentran el dinámico “Bremen Cowboy”, un tema netamente instrumental con grandes dosis de acid y un ritmo muy dinámico, y el ya conocido “Add This Song”, una pieza cuya intro ostenta ciertos visos Trance debido a las melodías y al tono que Daníel adopta en sus vocales, pero continúa a medio camino entre el House y el Pop, dando buenas muestras de groove.

Ciertamente se trata de un álbum más que interesante, pues hasta el propio Birgir Þórarinsson dijo que se trataba de lo mejor de la faena de GusGus. La visión que los islandeses tienen del 4×4 ha quedado plasmada a la perfección en 24-7, de suerte que sólo resta ver cómo se lo toman sus incondicionales…

Tracklist: GusGus – 24-7 (2009, Kompakt)

01. Thin Ice
02. Hateful
03. On the Job
04. Take Me Baby (Feat. Jimi Tenor)
05. Bremen Cowboy
06. Add This Song

EL LINK PARA BAJAR EL PROGRAMA

http://rapidshare.com/files/284086061/jueves_10_de_septiembre_COMPLETO.m

Beatconductor y otras sesiones en Podomatic

2009-08-13T14:48:00.000-07:00

Queridos amigos y oyentes de mis segmentos radiales en Ateneo FM 100.7 desde hace unos días estoy montando los programas en el novedoso sistema del servidor Podomatic en donde pueden oir las sesiones en la modalidad de podcast de una manera fácil y efectiva. Solo tienen que entrar a la página http://lebotronico.podOmatic.com y podrán disfrutar de sesiones de El Cuarto Azul y Club Magenta con toda nitidez a cualquier hora y en cualquier momento que les plazca acceder a este servicio.También podrán acceder desde un player de nombre "widget" colocado en el lado izquierdo de mi perfil del Facebook.

Como cuarto episodio en Podomatic he puesto a vuestra disposición un fantástico álbum de 16 tracks de nombre Brand New Secondhand del productor sueco Ture Sjoeberg con piezas bailables de influencia Latina/Hip Hop/Disco y mucho sampleo con sencillos tan deliciosos como 'Jibaro', 'Let It Happen', 'Rocksteady Skank', etc. Disfrutenlo y conozcan el mundo Podomatic!!

Track List
01. Intro
02. Jibaro
03. Rocksteady Skank
04. Guarambembere
05. Just Can't Get Enuff
06. Boogie Skit
07. I Wouldn't Wanna Be Like You
08. Request Line
09. Real Hip Hop
10. Marrakech (Extended Version)
11. Loco Moto
12. Hangin' Around (Skit)
13. Out Of Bondage
14. Senor Blues
15. Let It Happen (Album Version)
16. I Can't Go For That

Hot Chip en Club Magenta parte II

2009-08-13T14:44:00.000-07:00

“A Bugged Out! Mix by Hot Chip” es un doble CD de listado interminable, un trabajo titánico que comprende un total de 44 cortes en los que los saltos de estilo son variados y por momentos con riesgo de fracasar. Se demuestra en este mix que el acabado es profesional y el contenido magnífico. El primer disco, “Bugged Out”, es el de la noche, la fiesta: empieza con el ambient de Gas, rápidamente gira hacia el house de Theo Parrish –profundo y sexy– y Extrawelt & Morelle –épico y gritón–, y a partir de ahí mantiene un tempo rápido, convulso, ácido, en el que se suceden variaciones del electrohouse, el dubstep, el tech-house melódico y el pop con marcheta. John Tejada suena, también el “Yeke Yeke” de Mory Kante –en la remezcla acid de Hardfloor, un vinilo que está siendo fetiche entre DJs con flequillo–, y diversas rodajas planchadas por Armando, Pig & Dan, Peverelist, Ican o Kollektiv Turmstrasse. Se sale.

El segundo disco, “Bugged In”, es el ecléctico, el más desordenado –en especial al principio, donde no hay nada que mezclar entre el swing de The Andrews Sisters y el calipso de The Esso Trinidad Steel Band–, hasta que más o menos se alinea todo en una coherente sesión con la disco music y sus conexiones con el pop de los ochenta como frágil hilo argumental. La cosa deriva hacia el bullir tribal (Gang Gang Dance), el synth-pop con hombreras (Hall & Oates), el hip hop de verso rápido (Biz Markie), el glam y el electro-funk, pero nunca sin perder esa evolución renqueante y la brillantina: Zapp, Robert Palmer, Sparks, un mash up por las bravas con Dizzee Rascal (¡“Fix Up, Look Sharp”!) y Terence Trent D’Arby… ¿Ecléctico? Absolutamente. ¿Disperso? Nunca. Mucho DJ aburrido debería aprender de este mix

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Description: Club Magenta 30 07 2009
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Hot Chip en Club Magenta parte I

2009-07-24T22:34:00.000-07:00

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CD01 Bugged Out
01. Gas - Nah Und Fern
02. Theo Parish - Space Bumps
03. Extrawelt & Morelle - Schmedding
04. Joseph Capriati - C'est La Vie
05. Philip Sherburne - The Claim
06. Armando - Don't Take It (Thomos Edit)
07. Harry Axt - Deliberately Selected
08. Florian Meindel - Blast
09. Conrad Schnitzler - 00/346 & 00/380 (Dandy Jack &The Queen Of Mars Remix)
10. John Tejada - Torque
11. Pig & Dan - Hope
12. Peverelist - Junktion
13. Cosmic Sandwich - Cosmic Sandwich (Cosmic Sandwich Remix)
14. Hot Chip - Take It In
15. Mark Henning - Moody Bastard
16. District One aka Bart Skils & Anton Pieete - One2One
17. Mory Kante - Yeke Yeke (Afro Acid Mix)
18. Ican - Chiclet's Theme
19. Dominik Eulberg & Gabriel Ananda - Eucalypse Now!
20. Alex Cappelli - Bloody Notes (Butch Remix)
21. Kollektiv Turmstrasse - Blutsbruder
22. Marc Romboy - Karambolage (Oxia Remix)
23. International Pony feat Khan & Snax - Bubble In The Bottle (Pepe Braddock Remix)
24. Max Cooper - I (Long Version)

La permanencia de la Ciudad Plastica

2009-07-08T23:16:00.000-07:00

Plastic City suena a Terry Lee Brown Junior y guarda un lugar muy especial en mi corazón. Han pasado ya muchos años, casi dos décadas desde que en los noventa nos mostrara sus primeras producciones. En todo este tiempo Terry se a echo un hueco en el movimiento electrónico internacional ayudado sobre todo por su forma de pensar y sus buenas producciones sin dejar atrás sus pedidos set en todas las cabinas mas importantes del mundo.

En sus inicios intenta crear un propio estilo deep muy distintivo fundiendo elementos de otros etilos musicales (Jazz, techno, house. Al comienzo Norman había lanzado algunas reseñas de la mano de Influence Records como Storming Norman y luego algún que otro tema como Watchman, pero tomó seriamente la producción luego de conocer al señor Alex Plastic, quien por aquél entonces capitaneaba esa gran maquinaria llamada Plastic City…

Puede que Terry haya sido, desde el principio, el artista principal de Plastic City, pues acaso sea él quien haya contribuido más a la formación de la personalidad tan distintiva del sello alemán… Asimismo, seguramente sin sospecharlo, se puede decir que de mano de sus primeras producciones no sólo había comenzado a moldear a su antojo a la firma, y en 1997 el mentor de este movimiento deep decidió recopilar en un cd-mixed todas aquellas producciones que seguían su propia línea musical, y así surge el primero de sus compilados Terry’s Café… Al tiempo que echaba manos a sus propias producciones, además continuaba despachando nuevas entregas de Terry’s Café a razón de un volumen por año. Muchos de los artistas que habían tenido el gusto de ver temas propios en los primeros compendios mezclados por el germano ya ni siquiera se encuentran produciendo, no obstante Terry Lee Brown Junior aún sigue adelante con lo que una vez supo iniciar.

Terry es un artista constante y recientemente Plastic City acaba de entregar el volumen doce de Terry’s Café, una nueva pieza de esta imperecedera saga. Uniendo artistas de Plastic City con otros ajenos a esta casa, el alemán ha vuelto a trazar paisajes cálidos y agraciados como sólo él puede hacerlo; ha regresado con un repertorio pletórico de colorido con el que se propone descubrirnos algunos de los que son, tal vez, los mejores temas de house profundo de la temporada. Producciones de artistas tales como Mihai Popoviciu, Milton Jackson, Kevin Griffiths, Steve Lawler, Greg Parker, The Timewriter, Loco Dice y demás, aglutinadas y entrelazadas maravillosamente en un mismo disco, es algo que no puede dejar de ser, bajo ningún concepto, una propuesta a todas luces sugerente. Lo mismo que las once anteriores, la nueva entrega de la serie no tiene desperdicio, de modo que si quieren ponerse al día disfrutando del groove más selecto del momento, Terry’s Café Vol.12 es la oferta que, indudablemente, no pueden dejar pasar…

Tracklist:
01. Ocean Gaya feat Svene - Love Thing (6:08) 02. Mihai Popoviciu - Hold (6:54)
03. Milton Jackson - Mode 3 (5:46) 04. Azuni - I Feel For You (5:32)
05. Kevin Griffiths - Cantona Kung Fu (7:04) 06. Terry Lee Brown Junior - Soul Digits (David Alvarado Remix) (9:10) 07. Access Denied - Morphology (Martin Eyerer Remix) (6:44) 08. Home & Garden - Domesticated (Pezzner Mix) (8:30) 09. Adam Jace - Safari People (6:20) 10. David K - 73 Tomtom Avenue (Jimpster Mix) (7:56)
11. Antelia - Let It Go (6:10) 12. Steve Lawler - Distrait (Nick Curly & Gorge Remix) (7:45) 13. Burnski - Sleep (7:44) 14. Greg Parker - Understanding (8:47)
15. The Timewriter - Dedication (6:44) 16. Loco Dice - Black Truffles In The Snow (Mike Huckaby's The Jazzed Out S Y N T H Remix) (6:27)

Enlace para bajarlo http://flyfile.us/bqw0yhau2dn2/Terrys_Cafe_2009.rar.html

Bajo el nombre de la KARNE y el poder de la FREZKURA

2009-05-05T22:35:00.000-07:00

El glamour del electro desenfrenado se percibe en el cuerpo con el colectivo de féminas Karne Frezka, comandadas por la sensual Sexilia, Tati y Dariana, quienes participaron en una sesión de El Cuarto Azul, que los miembros del club de fans ya han recibido y ahora comparto con todos. Info divina en su espacio http://www.myspace.com/karnefrezka

La sesión aquí

http://rapidshare.com/files/229632003/miercoles_22_abril.mp3

Booka Shade en El Cuarto Azul

2009-05-04T22:18:00.001-07:00

Booka Shade son Walter Merziger y Arno Kammermeier, dos de los productores más prolíficos del sello alemán de house electrónico, Get Physical, una de las escuderías que más vende dentro del underground más pulcro con ese house refinado que respeta la comercialidad sin pervertir demasiado la honestidad creativa. Durante las primeras referencias del sello de berlín que ayudaron a fundar junto a la otra dupla de M.A.N.D.Y y Dj T, los chicos de Booka Shadel se han encargado de las remezclas de gente tan importante dentro de la casa como los propios M.A.N.D.Y., DJ T, Sunsetpeople y Chelonis R. Jones. Después de editar dos álbumes de synth pop a principios de los noventa y de llevar por delante una gran ristra de presentaciones en vivo por toda Alemania y el resto de Europa en 2004 editaron un primer álbum en Get Physical con un título de difícil olvido, Memento. En este álbum explotan su amplio background para darle forma con un sonido contemporáneo que está gustando mucho en el continente y que cuenta con alguna remezcla destacada como la de Marco Passarani para el tema Panoramic. Su álbum marca las coordenadas del grupo, una mezcla de synth-pop que suena a antiguo, mezclado con electro-house contemporáneo que los hace sonar rabiosamente actuales, todo eso sin descartar su background con claras referencias al trance tal y como se puede comprobar tras la escucha de temas como su hit Body Language que recuperarán en una nueva versión para su también delicioso álbum de 2006, Movements. Gracias a cortes como este han conseguido llamar la atención de reputados productores como Moby, Tahitii 80, o The Juan Maclean, que los han invitado para reconstruir algunos de sus trabajos con un toque muy personal y orgánico. Ya en 2008, Walter Meziger y Arno Kammermeier, tras sorprendernos con "Memento" y se reafirmarse con "Movement", dieron un salto hacia delante con "The Sun And The Neon Light", una placa que pasa de temas unidos al formato de canciones pop e indie sin abandonar su esencia de pista pero dejando un poco el electro-house. En definitiva un disco en el que no sobra absolutamente nada, sin rellenos y que satisfará al cien por cien a los que ya disfrutamos de sus dos anteriores trabajos y a los que se unan ahora desde la vertiente más pop.

La sesión radial

http://rapidshare.com/files/228862157/viernes_24_abril.mp3

El album Cinematic Shades

http://rapidshare.com/files/174042403/Booka_Shade-Cinematic_Shades__The_Slow_Songs_-WEB-2008-IMT.rar

El disco The Sun and the Neon Light http://rapidshare.com/files/105432771/BSTSTNL_PCD.part1.rar.html

Yes.fm

2009-04-27T23:24:00.000-07:00

La página web de música Yes.fm, que ofrece canciones en "streaming", un sistema que permite oír o ver un archivo sin necesidad de descargarlo, saldrá este año al mercado europeo francófono, Francia, Bélgica y Suiza, y espera llegar a Italia y América Latina en 2010.

Según explicó a Efe Alejandro Suárez, uno de los socios fundadores deYes.fm, la compañía, que salió en España en septiembre del año pasado y ya cuenta con 400.000 usuarios y 2,3 millones de canciones disponibles, entrará en el mercado francófono de la mano de la cadena Rouge FM

Para Suárez, que empezó su carrera profesional en la radio comercial, ese modelo ya no tiene sentido cuando la gente puede tener su radio "a medida" en cualquier soporte.

El ordenador, explica, es sólo el primer paso para servicios como el que presta Yes.fm, que acaba de lanzar una aplicación que permite escuchar toda la música en el Iphone y en el Ipod.

La empresa trabaja para que la música esté en el "centro del hogar" y para ello está desarrollando un dispositivo que permitirá tener esta aplicación en la televisión o el equipo de música, pero también estudian aplicaciones para consolas de juegos como la Wii.

La futura generalización de Internet en el automóvil hace que esta empresa plantee también la incorporación de Yes.fm a los vehículos, dijo Alejandro Suárez que espera que la marca BMW sea la primera en llevar la aplicación de serie.

Además, negocia con un fabricante de móviles para que lleven incorporada la aplicación de Yes.fm, algo que, según Suárez, ayudará a generalizar las tarifas planas de datos.

Yes.fm basa su modelo comercial en una amplía oferta de música gratuita y un sistema de suscripciones que, por un pago mensual permite acceder a servicios más amplios, como escuchar música "a la carta", a los que se suman los ingresos publicitarios.

Hasta ahora, de cada cien usuarios, entre tres y ocho optan por una suscripción de pago.

"La gente debe entender que la música tiene un coste. Se cree que la música es gratis y que el mercado publicitario puede compensar todo y no es así", argumenta Alejandro Suárez para quien el futuro de la música no está en vender disco sino en el pago por uso.

En cuanto al impacto de la crisis en la compañía española, que comenzó con un capital de tres millones de euros, Suárez dijo que no les está haciendo tanto daño como si llevaran más tiempo en el mercado, ya que están en la fase de crear la base de clientes.

Yes.fm tiene acuerdos com Universal, Sony Bmg, Emi y Warner, así como con otros sellos independientes como Beggars, Blanco y Negro, o Subterfuge.

Depeche Mode visitará Venezuela en octubre. Baja el disco nuevo!!

2009-04-27T20:47:00.001-07:00

La agrupación inglesa Depeche Mode visitará Venezuela el próximo 9 de octubre en el marco de su gira mundial titulada “Tour of the Universe”. Aunque no se conoce qué productora venezolana está detrás de la visita de la banda, algunas fuentes afirman que se trataría de Evenpro. El “Tour of the Universe” comenzará el 6 de mayo en Luxemburgo. Recorrerá Europa y Estados Unidos antes de llegar a nuestro país.

Las fechas confirmadas para Latinoamérica son:

29/Septiembre Monterrey
01/Octubre Guadalajara - Arena VFG
03/Octubre Mexico City - Foro Sol
04/Octubre Mexico City - Foro Sol
06/Octubre San José
07/Octubre Panamá
09/Octubre Caracas
11/Octubre Bogota - Parque Simón Bolívar
13/Octubre Lima
15/Octubre Santiago de Chile
17/Octubre Buenos Aires
19/Octubre Sao Paulo
20/Octubre Rio de Janeiro

Para bajar el nuevo disco aquí les paso estos links

http://hotfile.com/dl/46110/e6ec059/iDmSU.rar.html

Aqui hay otra fuente muy completa de links del album y todos sus extras!!!!

http://www.taringa.net/posts/musica/2346006/Depeche-Mode---Sounds-of-the-Universe-(2009---Completo.html

David Gahan, Martin Gore, Andrew Fletcher, Christian Eigner, Peter Gordeno, el actual Depeche Mode ya empezó a hacer ruido por el mundo con su nuevo disco Sounds of the universe. Al estilo "megabanda" el trío cerró el Hollywood Boulevard de Los Angeles y juntó a 10.000 personas. La previa de un tour mundial que promete. Se dice que es casi un hecho que en el mes de octubre, Depeche Mode volverá a Sudamérica después de más de 10 años. Esa intención de hacer el regreso de forma global -la banda paró de girar en 2006, después de la promoción de Playing the angel- deja entrever la idea: regresar manteniendo el status que ostentan desde 1988, cuando metió 60.000 personas en el Rose Bowl de Pasadena; en aquel ostentoso show retratado en 101, la película de Allan Pennebaker.
Sacudir la rutina, generar eventos noticiosos antes de sacudir al mundo y hacer promoción de Sounds of silence. Lo hace U2, lo hacen los Rolling Stones y lo hace Depeche Mode, conscientes de que, como abanderados de la invasión electrónica más importante que tuvo el pop, pueden reclamar ese lugar. Entonces, entre las estrellas famosas que andan por esa zona, los vagabundos que mendigan y los fanáticos que accedieron por invitación al concierto, Dave Gahan, Martin Gore y Andrew Fletcher dieron una verdadera fiesta que se encargó de seguir toda la prensa.
El concierto, grabado para un programa de la cadena ABC, es el paso previo a la gira. Entonces, el trío decidió abrir el fuego con canciones como Wrong, el oscuro primer simple que cuenta con un no menos inquietante video. Como todo show sorpresa, tampoco faltaron los que todos quieren escuchar: Personal Jesus fue una de esas canciones que sonaron desde las 20.30 del viernes pasado.
Para los medios y la crítica, Sounds of the universe -producido por Ben Hillier, productor inglés asociado a varios éxitos del nuevo pop inglés y al anterior Playing the angel- es la prueba definitiva de que Depeche Mode se encuentra viviendo una segunda vida espectacular y consagratoria. Las fricciones existieron y en el camino quedó nada menos que el tecladista Alan Wilder. Y aunque aún casi 15 años después de su partida se lo extrañe -se dice que el grupo perdió el toque elegante con su salida-, Depeche Mode es una banda que puede extrañar pero nunca detenerse. Sucedió lo mismo en 1981 con Vince Clarke, nada menos que el responsable de la definitiva Just can´t get enough.
Para el periodista Claudio Vergara del diario chileno El Mercurio, presente en el recital, la performance de Depeche Mode "cruza la depurada fidelidad de su sonido y el impresionante estado físico y vocal de Gahan". De todas formas, para ser una banda histórica, Gahan es bastante joven en comparación con un Mick Jagger. Apenas tiene 46 años. "Él es dueño absoluto de la imagen", señala la crónica sobre el vocalista, completamente "limpio" desde hace diez años, según le reconoció Fletcher a la revista Rolling Stone en una entrevista reciente. Gahan estuvo al borde del suicidio en 1995, y de una sobredosis que un año después lo tuvo algún minuto con muerte cerebral, el británico disfruta hace años de no haber perdido su particular registro de voz ni, al parecer sus dotes como frontman. "Ofrece una performance casi teatral, salpicada de los tics y el carisma que lo han graduado como uno de los vocalistas más influyentes de las últimas dos décadas", señala la crónica. Tras él, Martin Gore es el hombre tras los fraseos de guitarra y los riffs, aunque ya se notan detalles que reflejan las intenciones del nuevo disco.
"Todos los días me compraba en Ebay un pedal o un sintetizador viejo diferente, y lo íbamos utilizando en el estudio. Es por eso que este nuevo disco suena como de los años ochenta". El cerebro musical y compositivo del conjunto tiene varias canciones nuevas de las que se puede jactar, entre ellas Fragile tension otro tema bastante bailable de Sounds of the universe. El set de Depeche Mode significó el despegue en pleno escaparate de famosos significa que uno de los grandes eventos globales en la música pop durante el año 2009 toma forma. Sobre el final de ese breve set televisado sonó Never let me down again y, dicen, que los ingleses abandonaron el escenario dando la sensación de ser una banda que ahora sí está completamente reconstruida de su choque en los años noventa. ¿Habrá chance de comprobarlo en vivo?...Fuente: El Pais

Sonidos cósmicos desde el quinto continente

2009-04-15T23:44:00.000-07:00

Formados en 1990 en el quinto continente, Pivot es un trío conformado por los australianos David Miller, Richard Pike, Laurenz Pike, quienes editaron hace poco en la prestigiosa escudería Warp Records su segundo álbum O Soundtrack My Heart. una placa en la que siguen profundizando en esa onda prog-pop melodramática que ellos mismos describen como el sonido del "goce apocaliptico". Pivot han colaborado con artistas tales como Prefuse 73, Flanger, Savath & Savalas, Qua, Jan Jelinek, Burnt Friedman y hasta el loquillo de Damo Suzuki, vocalista de la legendaria banda CAN. En el disco O Soundtrack My Heart Pivot prueban su amor por Vangelis, Autechre y Talking Heads, algo que también se nota en este podcast que a continuación les ofrezco en una memorable emisión de El Cuarto Azul....

El disco

http://www.mediafire.com/?xn4vmmxnoo2

El programa

http://rapidshare.com/files/221934587/Miercoles_25_febrero.mp3

El nuevo house de Sudafrica en El Cuarto azul

2009-04-15T23:21:00.000-07:00

Culoe de Song es posiblemente uno de los miembros más jóvenes que han pasado por la Red Bull Music Academy, pero esa innegable intuición por el riddim and soul tan típicamente surafricana le ha permitido convertirse en un maestro del baile tras poner en contacto al genio del house que es Black Coffee con su Sudáfrica natal. Inspirándose en los trabajos de Osunlade o Franck Roger, Culoe, cuyo apellido significa "nuestra canción", ya se ha estrenado en el mundo de la producción, asombrando a propios y extraños con su peculiar aproximación al deep afro house, mezclando sonidos de campo y cuerdas poderosas con un resultado poco menos que eufórico. Aqui disfrutarán de un podcast radiado en el programa un viernes de marzo...

http://rapidshare.com/files/221821891/Viernes_20_Marzo.mp3

Gregor Samsa, espiritualidad en el aire

2009-04-06T16:35:00.000-07:00

Originarios de Richmond (EEUU) y formados en el 2000, los vocalistas Bennett y Nikki King y los otros miembros fluctuantes de Gregor Samsa entregan discos profundos y en calma, que navegan delicadamente susurrando dentro del espacio aural, dejando una estela en el aire; existen momentos donde el sol se asoma, sonríe y vuelve a ocultarse para dejarte de nuevo en medio de un frio paralizante. La historia de esta banda originaria de Virginia (pero con miembros esparcidos por todo el segmento norteamericano) con nombre de personaje kafkiano está escrita a través de constancia y perseverancia. Escrita a partir de un profundo amor a la música y una constante y limpia creatividad, el grupo puede definir su trayectoria con sobresaliente brillantez desde que se uniesen hace ocho años. Sin haber destacado nunca demasiado en circuitos comerciales y, claro está, sin que esto signifique nada, la formación, de oscilante número de miembros, acaba de publicar su cuarto larga duración Over Air .La música de Gregor Samsa es como un bálsamo curativo,, etéreo, arrullando melodías sobre las capas de guitarras tan herederas de Slowdive como de My Bloody Valentine o los maravillosos Cocteau Twins. Con un pie en el shoegazer y otro en el post rock menos transitado, su música es como si Low sufriesen una sobredosis de Slowdive, arrullados por dos voces, masculina y femenina, alternándose y acoplándose a la perfección mientras múltiples capas de guitarra forman un maravilloso colchón sobre el que apoyarse y las secciones de cuerdas no solo resultan hermosas sino que son conmovedoras. Unas melodías que alcanzan unas cimas de intensidad y emotividad tremendas, sobre todo cuando una voz se apoya en la otra para llevarla más allá, para acompañarla al son del muro de guitarras que son capaces de tejer. De su discografía "27:36" es un trabajo realmente impactante, apto tanto para los amantes de los sonidos más etereos y melodiosos, como para los que disfrutan con los largos desarrollos de grupos más "post", Gregor Samsa se colocan en un punto intermedio en el que las melodías ganan protagonismo a los crescendos a los que tan acostrumbrados nos tienen ésta clase de bandas, en "27:36" la intensidad roza lo emocional y las melodías sobrevuelan los temas (y a nosotros) a varios palmos del suelo. Por su parte, "Rest" es un disco dinámico (a pesar de que sea calmado) remitiendo de alguna manera a la música clásica. Existen texturas aterciopeladas acariciando la piel. Grandioso, magnifico y soberbio son estas tres palabras que definen a la perfección este disco, del cual se han extraído varios temas como el increible Jeroen Van Aken para crear nuevas versiones en los estudios Desmet para la emisora radial holandesa VPRO y la colaboración del sello Kora Records. Una gema sonora para la Pascua...

Lista de temas

1. Ain Leuh / VPRO

2. Jeroen Van Aken / VPRO

3. Three / VPRO

4. Adolescent / VPRO

5. Abutting, Dismantling / VPRO

6. Young And Old / VPRO

7. Du meine Leise / alternate mix

8. XXX / GS + Tiempo

9. Lean / GS + Bobby Donne (of Labradford)

El disco:

http://depositfiles.com/es/files/kcuy2w3rj

o aqui en Taringa

http://www.taringa.net/posts/musica/2048138/Gregor-Samsa---Over-Air-(2009).html

El nombre de la banda es tomado de un personaje de la famosa historia corta de “La Metamorfosis” de Franz Kafka.

"Cuando Gregorio Samsa se despertó una mañana después de un sueño intranquilo, se encontró sobre su cama convertido en un monstruoso insecto. Estaba tumbado sobre su espalda dura, y en forma de caparazón y, al levantar un poco la cabeza veía un vientre abombado, parduzco, dividido por partes duras en forma de arco, sobre cuya protuberancia apenas podía mantenerse el cobertor, a punto ya de resbalar al suelo. Sus muchas patas, ridículamente pequeñas en comparación con el resto de su tamaño, le vibraban desamparadas ante los ojos. «¿Qué me ha ocurrido?», pensó. No era un sueño. Su habitación, una auténtica habitación humana, si bien algo pequeña, permanecía tranquila entre las cuatro paredes harto conocidas. Por encima de la mesa, sobre la que se encontraba extendido un muestrario de paños desempaquetados -Samsa era viajante de comercio-, estaba colgado aquel cuadro que hacía poco había recortado de una revista y había colocado en un bonito marco dorado. Representaba a una dama ataviada con un sombrero y una boa de piel, que estaba allí, sentada muy erguida y levantaba hacia el observador un pesado manguito de piel, en el cual había desaparecido su antebrazo. La mirada de Gregorio se dirigió después hacia la ventana, y el tiempo lluvioso -se oían caer gotas de lluvia sobre la chapa del alféizar de la ventana- lo ponía muy melancólico..."

Jon Hopkins, luz a través de las venas de la electrónica

2009-03-23T20:47:00.001-07:00

Jon Hopkins es un músico inglés de gran precocidad que ha trabajado con variados artistas comerciales e independientes como Coldplay, Imogen Heap, Massive Attack, y Brian Eno, contando con tres estupendos albumes, 'Opalescent' (2001), 'Contact Note' (2004) y el reciente "Insides" (2009). Junto a Coldplay, trabajó en dos canciones del álbum Viva la Vida: Life in Technicolor y The Escapist. Además tocó como artista soporte en los tres primeros conciertos del Viva la Vida World Tour. Ya en su primer álbum, Jon derrochaba sabiduría en el tratamiento de las texturas y sonidos, pero es a partir del segundo álbum donde adquiere una destreza que roza la genialidad. Contact Note respira más dinamismo y gráciles melodías, es un disco de esos de musica electronica que te llegan desde la primera escucha y no dejo de escucharlo cada vez que puedo. Aquí teneis algunos enlaces directos a la música de este artista y el acceso al nuevo álbum,Insides, pleno de ritmos quebrados, ambientes sonoros dignos de una bella banda sonora y melodías sublimes como la increible canción Light Throught the Veins... el encanto de la musica instrumental es igual al poder descomunal de una carta en blanco. Pareciera que no ocurre nada para que ocurra todo. Adentrarnos en el vacio de la posibilidad: eso es leer una carta en blanco y eso es, tambien, escuchar con oido, atento y creador, musica instrumental como la de Johann Johannsson o Jon Hopkins, que prescinde del don de la palabra para materializar mundos diferentes: aquellos perdidos por la bruma de la memoria, otros cristalinamente utopicos o algunos tan ininteligibles como una carta en blanco. Escuchen con atencion el sonido del silencio, donde vibra el instante, la plenitud del mundo y sus formas.... Luz a través de las venas... Hopkins es de esos grandes artistas desconocidos por el gran público que te hacen ver que la música electrónica tiene aún mucho que decir y sinceramente me parece junto a otros genios como Ulrich Schnauss, un paraiso y un sol brillante entre tanta maraña mediocre electrónica y pop.

Jon Hopkins - Circle http://www.ambient-music.com/mp3s/jon21hi.m3u

Jon Hopkins - Second Sense http://www.ambient-music.com/mp3s/jon22hi.m3u

Jon Hopkins - Contact Note http://www.ambient-music.com/mp3s/jon23hi.m3u

El disco Insides http://rapidshare.com/files/196535757/JHI320.rar

Henrik Schwarz, Âme & Dixon en Club Magenta

2009-03-18T23:00:00.000-07:00

Cuando decimos ‘minimal’, parece que ya no decimos nada. Hace tiempo que esta palabra ingresó cadáver en el quirófano de la jerga musical, y ningún intento de reanimarla ha surtido efecto: su significado es más hueco que el de ‘música alternativa’. Es un termino que sirve para todo, y por tanto no sirve para mucho, esto pese a haber sido usado con relativa propiedad en el arranque de su fama: en efecto, hubo un momento –años 2003 ó 2004, pongamos– en que el techno que subía con más fuerza e ingenio renunciaba a la velocidad, el recargamiento, insistía en la repetición sutil y, sobre todo, se nutría de minúsculos sonidos digitales. El problema en un principio quizá fuera no recurrir a la etimología de lo ‘micro’ –o sea, lo pequeño, lo subsónico– antes que a lo de lo ‘minimalista’ –repetitivo, pocos elementos–. En un principio sabíamos lo que queríamos decir, pero el verdadero minimalismo en el techno hace ya que yace sepultado entre toneladas de inanidad supuestamente house, supuestamente algo. Cada vez hay más paja envolviendo este grano, y uno ya se ha cansado de perder el tiempo escrutando y, lo que también es importante, intentando divulgar el verdadero significado de la cosa.

Toda esta introducción tiene mucho que ver con “The Grandfather Paradox. An Imprudent Journey Through 50 Years of Minimalistic Music”(BBE, 2009), el disco de sesión en el que la troupe Innervisions –Henrik Schwarz, Âme, Dixon– mete la cuchara en la escena del minimal con intenciones, por lo que se ve, didácticas y clarificadoras. Fue Kristian Beyer de Âme, hace ya un par de años, el que pronosticó que el fin del minimalismo, como el del milenarismo, iba a llegar. Y sí, está llegando en agonía lenta, y desde wl sello disquero Innervisions se ha hecho bien en apostar por una vía diferente, enraizada en el deep house y el techno clásico, pero lo que está claro es que el vuelco no vendrá de sus oficinas. El álbum comienza por donde debe con el tercer movimiento de “Electric Counterpoint” (Steve Reich), con esa guitarra de Pat Metheny que samplearon The Orb en “Little Fluffy Clouds”, el primer segmento de minimalismo americano que recontextualizó la generación rave británica–, y la placa se tuerce acto seguido por caminos caprichosos. Un disco absorvente y recomendable, de hecho es un lanzamiento importante para la música de baile en este comienzo de 2009: pocos discos de DJ habrá con tanta calidad en la selección y gusto en la mezcla como este “The Grandfather Paradox” –título tomado, por cierto, de una de las paradojas clásicas de la física que estudia la posibilidad del viaje en el tiempo, que en la cultura pop ha sido referida con total acierto en la saga fílmica “Regreso al futuro”–; quizás el problema del disco es que no pareciera ilustrar sobre minimalismo y su significado: ¿es realmente el french house de I:Cube minimalismo? ¿Lo es el soul detroitiano de Green Pickles con la voz de Marcellus Pittmann? ¿Y el intelligent techno de Metamatics? ¿Por qué no hay elementos de Manuel Göttsching, o de Philip Glass, o esos edits del prodigioso grupo krautrock Can que tan bien le salen a Pilooski? Por supuesto, el tema de la selección es personal y abierto –si hablamos de minimalismo entendido como música en la que entran en juego los mínimos elementos y la repetición ingeniosa de los mismos para crear un efecto de creatividad máxima, el material es inabarcable–, pero la intención didáctica del mix naufraga. Si pretendían esclarecerle a los jóvenes clubbers el significado de la palabra de la discordia, dudamos que lo logren. En cambio, ofrecen un disco fluvial, exquisito, sin relleno, aunque sea parcialmente minimalista. Quédese cada uno con lo que prefiera, con la ética –lo primero– o la estética –lo segundo–. En caso de optar por lo primero, rápidamente deberemos recomendarle la reedición de “Studio Eins” (Studio 1, 2009), el CD en el que Wolfgang Voigt recopiló algunos de sus tracks de esquemático, escueto e insistente techno made in Colonia planchados originalmente entre 1995 y 1997, una de las vértebras esenciales de la columna del techno reduccionista junto con los maxis de Robert Hood, Jeff Mills, Basic Channel, Daniel Bell y Richie Hawtin. La cuota de historia y memoria del mes quedaría saldada sólo con esto.

Ame, Dixon y Henrik Schwarz comentaron sobre el disco que “cuando empezamos a pensar sobre la recopilación, teníamos en mente la idea de juntar una gran selección de minimal techno con material de principio de los 90, material que nos inspiró, como Robert Hood, Dan Bell, Plastikman, Pansonic, Mike Ink…Mientras trabajamos en el proyecto tuvimos la sensación de que había una gran y influyente musica minimalista mucho antes de que el techno empezara. Entonces estuvimos entusiasmados por combinar la musica desde los pioneros de la electronica, con temas de los abuelos del minimal techno en una forma muy moderna. En la musica minimalista hay mucho espacio entre los sonidos y esos espacios te dan muchas oportunidades para una interpretacion propia.

The Grandfather Paradox es una teoria cientifica sobre los viajes en el tiempo y fue descrito por primera vez por el escritor de ciencia ficción Rene Barjavel en su libro “Le Voyageur Imprudent”. Tomamos sugerencias desde ahi dado que sentimos como que estuvieramos viajando hacia atras en el tiempo y manipulando musica vieja con los conocimientos modernos. El hecho de que hicimos todo esto con el merecido respeto a los originales nos deja bastante seguros de que los resultados estan trayendo algo nuevo e interesante a los viejos temas, transportando el pasado hacia aqui y ahora.”

Henrik Schwarz, Âme & Dixon

Tracklist.-

Ame, Dixon & Henrik Schwartz - The Grandfather Paradox: A Journey Through 50 Years of Minimalistic

MusicCD1: Mixed 01. Steve Reich & Pat Metheny - Electric Counterpoint - Fast (Movement 3) 02. Etienne Jaumet - Repeat After Me (Âme Mix) 03. Kenneth Bager - Fragment Eleven… The Day After Yesterday Pt.1 04. Liquid Liquid - Lock Groove (Out) 05. Cymande - For Baby Oh 06. Patrick Moraz - Metamorphoses 1st Movement (Live) 07. To Rococo Rot - Testfeld 08. Mathematics - Blue Water 09. I:Cube - Acid Tablet 10. Ø - Atomit 11. Conrad Schnitzler - Electrocon 11 12. Green Pickles feat. Billy Lo & M. Pittman - Feedback 13. La Funk Mob - Motor Bass Gets Phunked Up (Richie Hawtin’s Electrophunk Mix) 14. John Carpenter - The President Is Gone 15. Yusef Lateef - The Three Faces Of Bala 16. Robert Hood - Minus 17. Raymond Scott - Bass-Line Generator 18. Moondog - Invocation

Enlace:

http://rapidshare.com/files/210482525/Club_Magenta_2009_Presenta_The_Grandfather_Paradox__Henrik_Schwarz__Ame_And_Dixon_.mp3

Secretsundaze de Tobi Neumann, artista que visita CCS

2009-03-17T15:08:00.000-07:00

Para quienes no conozcan el talento en las bandejas de Tobi Neumann , podrán enloquecer con este mix de nombre Secretsundaze que entregamos en exclusiva para los fans de El Cuarto Azul en la vispera de la llegada a Caracas de este prometedor artista que se presenta el jueves 19 de marzo en una fiesta patrocinada por Diesel y High Events en 205 del CSI.

La carrera artística de Tobi comenzó en 1990 para la banda Milch, y en el 95 produjo el primer álbum de Bananafishbones. Un dato curioso en su biografía es su larga trayectoria en la producción de bandas sonoras para películas. En este primer período ya había musicado anuncios para televisión y cortos, y en 1996 compone y produce la banda sonora de la película -Easy day, a la que seguirán -Mädchen Mädchen y otras muchas producciones para cine y televisión. Es este mismo año cuando Tobi decide dar el salto a los platos y comienza a pinchar house y minimal en el Ultraschall @ Munich, al que siguen Sexyland y Panasonic (Berlín), Funky Chicken Club y Apollo (Colonia) y como residente en el Muffathalle de Múnic, además de una gira como discjockey y guitarrista en el proyecto de Disco B -Suchtrupp, en el 97.

A partir de 1998 su carrera como deejay y productor se dispara. Crea su propio club Flokati junto a Marcus Kanzler los viernes en el Ultraschall, produce el -Come to sin´ de Bananafishbones (ger. Charts Top 20) y comienza a trabajar para Chicks on Speed, con las que actuó en el Sonar 2000 y cuya co-producción -Kaltes klares wasser´ consiguió los primeros puestos en las listas europeas el año 2001. Es el responsable del sonido peculiar, medio electrónico medio indie-pop de esta banda. Y es que Tobi Neumann ha estado detrás de las producciones y remixes de/con Sterne, Bananafishbones, Chicks on Speed (C.O.S.), Dj Hell, Patrick Pulsinger, Disko B... Dakar & Grinser, Egoexpress, Gry, Ricardo Villalobos, 2Raumwohnung, Sieg über die Sonne, Ladytron y Tocotronic entre otros.

Neumann ha pinchado en una larga lista de clubs y festivales, sobre todo después de su participación en la Love Parade y su gira con Sven Väth en 1999: WMF, Loveparade, DJ-sets en Berlin, Hamburg, Matrix in Zürich, U60311/Robert Johnson/Monza/Dorian Gray Frankfurt, Loveparade Berlin, Amnesia/Space Ibiza, MTV Hacienda, le Rachdingue Girona, Blauer See Ratingen, il Presidente Popkom 2000, Futura Festival Sarajewo, Ultraschall/Flokati @ Munich... (2000); DJ Sets Cologne, Frankfurt, Munich, Chicago, Amnesia / Space @ Ibiza, Mayday Poland, Loveparade Berlin, all over Germany, Resident @ Monza Club Frankfurt, Time Warp, Love Family Castle & Park, The End London, Blauer See Ratingen, Vision Switzerland, Pollerwiesen Cologne, Paleo Festival; (2001).

En el 2000 crea GLOVE junto a Thies Mynther (Superpunk, Stella, Phantom Ghost, Glove) y el 2001 se traslada a Berlín. Este año será para Tobi Neumann decisivo en su carrera: su ya mencionado hit producido con Chicks on Speed y Malaria entra en los primeros puestos; edita sus primeras propias producciones para Cocoon Records (Glove); recibe el premio al vinilo más vendido en Alemania (C.O.S. -kaltes clarees wasser´) y es nominado por el mejor remix nacional (-sexy girl´). La trayectoria de Tobi Neumann va en aumento. El 2002 ha producido el segundo álbum de Chicks on Speed; ha hecho remixes de Sven Väth, Golden Boy with Ms. Kittin (Charts Germany, England), Westbam, Smash TV, Phantom Ghost, Peaches (Charts Germany, England), Khia, Die Raketen, Human League...; y ha tocado en múltiples clubs y festivales internacionales: Time Warp, Mayday, Loveparade, Streetparade Zürich, WMC 2002 Miami, Tribecca Grant NYC, WOMB Tokyo, Ladomat @ Sonar Barcelona.

Que carrera de mareante ascenso...Ahora disfruten de una excelsa sesión de Toby Neumann que será radiada el mismo día que pincha en Caracas.

Enlace:

http://rapidshare.com/files/202982700/01-va-secretsundaze_presents_tobi_neumann.mp3

Hans-Peter Lindstrøm sicodelico, cósmico y genial

2009-02-25T22:34:00.000-08:00

Busquemos el porqué de la exhuberancia de Hans-Peter Lindstrøm en lo peculiar de su formación como productor. Amante del country y el rock clásico, el noruego se acercó por vez primera a la electrónica movido por la curiosidad, el interés por descubrir cómo se construye una pieza de dance contemporáneo.
Funk cósmico o Nu disco, son algunos de los apelativos que describen a la perfección el sonido característico del noruego Hans-Peter Lindstrom, que tanto destacan en todas y cada una de sus producciones, no en vano, muchos aun tenemos en mente esa maravilla que fue I Feel Space, y que tanto nos conmovió hace unos cuantos años.
Pues este año, este adalid del funk mas futurista, titulo que comparte junto a gente como su amigo, y eterno compañero, Prins Thomas o el sorprendente Alden Tyrell, ha vuelto a sorprendernos con una magna obra, un mini LP, que consta solo de tres temas, pero de larguísima y suntuosa duración, al estilo de los inacabables discos de Tangerine Dream y los grandes representantes del krautrock, sin olvidarnos, por supuesto, de esa maravilla que es el Autobahn de Kraftwerk.
Se trata de una bella obra llamada Where You Go I Go Too, que se mueve entre atmósferas cercanas al ambient paisajístico, y al sonido moroderniano, como bien retrata el primer tema, homónimo del LP, que nos recuerda enormemente a los trabajos del ilustre italo americano, creador de The Chase, pero con unos aires que parecen venir inspirados por los heraldos cósmicos alemanes, e incluso, con alguna reminiscencia al rock progresivo.
La escucha de este track, aun durando casi media hora, no supone una ardua tarea, mas bien al contrario, ya que nos encontramos ante una maravillosa retrospectiva de algunos de los mejores sonidos que ha dado la música, desde el etéreo sonido de Neu! hasta el increíble hedonismo de Moroder, pasando por las abluciones musicales de Future Sound Of London, la filosofía musical de Brian Eno, incluso en su época con Roxy Music, el toque blade runninano de Vangelis, y así seguiría, hasta el infinito y mas allá, que es hacía donde te transporta esta pieza, un tema que no deseas que acabe bajo ningún concepto.
El siguiente track, llamado Grand Ideas, no se queda atrás, siguiendo esa línea Moroderniana, pero dejando el lado mas krautrockero, para introducirse en el italo disco, facturando un sonido mucho mas cercano al high energy que a las guitarras siderales de Can o Neu!.
A pesar del carácter eminentemente sintético de la pieza, no podemos dejar de percibir un enorme toque épico y electrizante. De nuevo, durante toda la duración del track, las sensaciones que nos vienen a la mente y que se introducen bajo nuestra piel son indescriptibles, siguiendo la maravillosa estela marcada con el tema inicial.
Cierra la obra la bellísima The Long Way Home, mucho más introspectiva que los dos tracks anteriores, pero de una belleza increíble.
Durante el mas de cuarto de hora que dura el tema, no podemos dejar de pensar en los sonidos cercanos al post funk psicodélico, el sonido Philadelphia y, por supuesto, los sonidos Morodernianos mas evocadores, y, en esta ocasión, los heraldos cósmicos vuelven a tomar cierto protagonismo, regalándonos otra maravilla sonora que consigue volver a ponernos la piel de gallina, y con ganas de escuchar esta maravilla una y otra vez.
Con solo tres titánicos tracks, Lindstrom consigue ofrecernos un trabajo de una hermosura sin precedentes, una maravilla sónica como hacía mucho que no escuchábamos, sin dudas se hablará de esta obra por mucho tiempo. Si nada lo remedia, nos encontramos ante el firme candidato a copar la cima de los mejores discos del presente año.
Lindstrom - Where You Go I Go Too (Smalltown Supersound)
1.Lindstrom - Where You Go I Go Too
2.Lindstrom - Grand Ideas
3.Lindstrom - The Long Way Home
Aqui esta el enlace para que oigan esta magnífica placa:
http://rapidshare.com/files/202694286/Club_Magenta_2009_Presenta_a_Lindstrom_con_su_LP_Where_you_go_I_go_too.mp3

Un mix sicodelico y soñador para noches de bruma

2009-02-25T22:18:00.000-08:00

¿El mejor mix del año? Una sesión de antología que arranca con dos largos minutos de una grabación de campo (los sonidos de la naturaleza como otra forma de música) y se cierra con una clasica melodía de los años cincuenta. “Sleepwalk”, como su nombre bien parece indicar, se apropia de la mezcla para proponer un fascinante paseo por el subconsciente. Optimo (DJ Twitch y DJ Wilkes) han planteado una sesión narcoléptica que invita a cerrar los ojos y a sumergirse en los planos secretos de las canciones. Coil (que aquí aparecen con su magnífica “Cold Cell”) o Nurse With Wound (representados con “Funeral Music For Pérez Prado”) levantaron su leyenda con estas mismas premisas. Al menos en su primera mitad, “Sleepwalk” se vuelve un placer psicodélico sin que en sus cortes aparezca el mínimo atisbo de música psicodélica, tal y como nos la ha vendido la historia del pop. Las frecuencias electrónicas de Raymond Scott, los ritmos repetitivos de Cluster o el contrabajo autista de Arthur Russell ponen los mimbres para lo que podría ser un viaje lisérgico de primer orden. Podemos identificar una segunda parte del set en el momento en el que entra una de las voces más alucinantes que jamás se haya atrevido a cantar, la de Karen Dalton. Aquí la cosa deja de entrometerse en nuestra psique y, entre el jazz groove de Duke Ellington, la orquesta de Mulatu Astatke y el punto crooner de Lee Hazlewood, poco a poco vamos poniendo los pies en la tierra. Poco a poco vamos aterrizando y tomando conciencia de una sesión con la que los escoceses Optimo han dejado la técnica en casa para apostar por unas nuevas reglas en la mezcla. Lo que se pretende es volver a ser conscientes del enorme valor de la música en una época de locura informativa y percepciones instantáneas.

Tracklist

01. Chris Watson - No Man's Land (Extract)

02. Nurse With Wound - Funeral Music For Perez Prado

03. Coil - A Cold Cell in Bangkok (Exclusive mix by Peter Christopherson)

04. Tuxedomoon - In a Manner of Speaking

05. Eden Ahbez - La Mer

06. Raymond Scott - Sleepy Time

07. Cluster - Sowiesoso

08. Eno, Moebius and Roedelius - Broken Head

09. Arthur Russell - This Is How We Walk on the Moon

10. Damon - Don't You Feel Me?

11. Karen Dalton - Something On Your Mind

12. Duke Ellington - Moonbow

13. Future Pilot AKA - Terry Bina

14. Mulatu Astatke - Yègellé Tezeta

15. Nitty Gritty Dirt Band - Nashville Blues

16. Lee Hazlewood - Whole Lotta Shakin' Going On

17. Wall of Voodoo - Ring of Fire

18. Chris and Cosey - Sweet Surprise

19. The Lady Vanishes - Sleepwalk

Enlace para bajar este asombroso mix

http://rapidshare.com/files/202609279/Club_Magenta_2009_Optimo.mp3

Atmósferas clásicas en un mundo digital

2009-02-09T19:47:00.000-08:00

Michael Nyman

Las relaciones entre la música académica -también llamada culta o clásica- y la creación electrónica es un campo difícil de delimitar gracias a fronteras sonoras bastante porosas y límites imprecisos. Sin embargo, el lenguaje orquestal de instrumentos acústicos, plasmado en los pentagramas y el de las partituras digitales recreadas por computadoras, teclados y samplers parecen estar más cerca que nunca con una nueva generación de artistas inmersos en una sociedad del bienestar, del internet y de la globalización; y que tienen una cultura musical tan amplia que sus creaciones trascienden la electrónica. Compositores que intentan redefinir la belleza en la era del ordenador e investigan sin miedo alguno las fronteras del avant garde, la experimentación y el pop donde clicks, bleeps, glitches, sonidos sintetizados, cuerdas trémulas y pianos cristalinos colisionan en las composiciones de una serie de artistas que usan los instrumentos habituales de la música culta pero en un contexto de estudio donde se les adereza con un ambiente electrónico, esto con resultados a menudo más emotivos que vanguardistas. A diferencia del rock, quien siempre miró a la música culta con recelo y acuñaron el despectivo término “sinfónico” cuando se realizaba el censurable maridaje entre ambos mundos musicales, la electrónica muestra una afinidad, fascinación y cercanía hacia lo que los británicos denominan “modern classical” que no es otra cosa que la continuación de una larga tradición musical occidental sin elementos de la influencia afroamericana (jazz, soul, funk, disco, R&B). Artistas y sellos musicales que destacan en esta escena electrónica y neoclásica incluyen al atmosférico Miasmah, escudería noruega creada por Erik K. Skodvin que se considera asi misma como una “pequeña institución cultural que edita música para escenas y lugares” y representa creadores como el norteamericano Rafael Anton Irisarri, el francés Encre y el joven instrumentista Greg Haines; Nonclassical fue fundado por el compositor Gabriel Prokofiev en 2004 y este nieto del gran creador ruso de Pedro y el Lobo entre otras obras maestras dirige un sello clásico “alternativo” que reta las nociones de la música culta en las grabaciones del dúo Génia & John Richards y su propio grupo The Elysian Quartet, una mezcla de cuarteto de cuerdas y experimentación electrónica, que han editado incluso remixes; los sellos germanos City Centre Offices y Staubgold no solo editan electrónica de avanzada sino que cobijan a finos creadores limítrofes como Swod, Marsen Jules o Ekkehard Ehlers; los refinados británicos de Leaf, hogar del fabuloso nipón Susumu Yokota, la delicada francesa Colleen o el mexicano Murcof. Finalmente, el exitoso sello Type es el más reconocido de esta tendencia y fue creado por los británicos John Xela and Stefan Lewandowski después de encontrarse por casualidad en una discotienda, fichando artistas electrónicos que flirteaban abiertamente con lo clásico como Julien Neto, Ryan Teague, Deaf Center, los proyectos paralelos del artesano sonoro Keith Kennif –Helios y Golmund-. Machinefabriek, Midaircondo, Peter Broderick, Sylvain Chauveaud, Khonnor y The North Sea entre otros. A esto se suman innumerables músicos independientes como el misterioso pionero William Basinsky, el genial compositor alemán Max Richter, el emotivo cuarteto de Nueva York con nombre kafkiano, Gregor Samsa y los celestiales artistas islandeses Amina, Hilmar Orn Hilmarsson, Sigur Ros y Jóhann Jóhannsson.

Cendre

Ruichi Sakamoto

Impresionismo y ambiente

La música electrónica nació contemporánea pero su historia no es lineal o coherente y se halla plagada de inflexiones a veces inexplicables. Se trata de una apasionante historia del progreso y la asimilación de la tecnología por parte del ser humano en su vida y en su arte. En el libro “The Ambient Century. From Mahler to trance” de Mark Prendergast (Bloomsbury 2000) se sitúa el auténtico comienzo de la música ambiental no en los impresionistas franceses como Claude Debussy o Erik Satie sino en el cuarto movimiento de la novena sinfonía de Gustav Mahler. El libro ofrece además un concepto de música ambiental más amplio y libre de su desarrollo en un siglo de historia y destaca dos características esenciales: su capacidad para deconstruir las formas musicales de occidente e influenciar en la tecnología de grabación.

Sin embargo, la música limpia, concisa, melancólica y silenciosa del controvertido Erik Satie y sus Pieces Froides o las bellas, Gymnopedies constituyen un claro y muy citado precedente de las suaves texturas desarroladas por el ambient. Desde allí esta música de textura y atmósfera va pasando por ilustres antecedentes como John Cage, padre de la música aleatoria y creador de paisajes sonoros; Iannis Xenakis, arquitecto y compositor de una compleja música matemática; y el minimalismo de Steve Reich, Philip Glass, La Monte Young y otros artistas de esta escuela que preconiza la repetición constante –con ligeras variaciones- de estructuras musicales reducidas a lo mínimo. El minimalismo en su faceta más popular, como la creada por los británicos Michael Nyman y Gavin Bryars, impactó profundamente en el genio “renacentista” multidisciplinar de Brian Eno, quien convierte el estudio de grabación en un organismo creativo, al ser productor de artistas pop como Roxy Music, David Bowie, Talking Heads o U2; es además un prolífico compositor y creador del Ambient Music en 1975. Un año antes, Michael Nyman había escrito un libro de cabecera para toda esta historia, titulado “Música experimental: de John Cage en adelante”, un texto que codificaba los hallazgos del minimalismo y sienta las bases del presente ambiente neoclasico. El concepto de ambiente está asociado con las artes decorativas, lugares donde la gente se reúne (lounge), con el planeamiento de espacios urbanos y suburbanos, y en el ámbito del estudio de grabación lo que los ingenieros de sonido llaman ambiente es una dimensión espacial conferida al sonido con cierto grado de eco y reverberación. Cuando Brian Eno escogió el termino ambiente para definir sus calmadas composiciones de mediados de los años setenta –como la serie Ambientes entre 1978 y 1982 y su fundacional Música para aeropuertos- de seguro que tuvo en mente las ricas connotaciones de este término que implica colorear una atmósfera con un sentido de espacio y profundidad, y rodear al escucha con sonidos que a menudo se funden con el paisaje. Brian Eno definió su música como “una nube o un río; no cambia mucho pero nunca deja de cambiar y es tan ignorable como interesante”. Las texturas delicadas del ambient van evolucionando de forma subrepticia durante los primeros años ochenta en las composiciones de amigos y discípulos de Brian Eno que editan en el sello EG como Harold Budd, Michael Brook, Laraaji, John Hassell entre muchos otros. Diferentes aproximaciones van confluyendo en lo que hoy día conocemos como neo clasicismo electrónico, incluyendo la música incidental para películas y el retorno a la instrumentación acústica tras largas etapas de experimentación electrónica.

Paísajes cinemáticos

Las bandas sonoras de películas son la auténtica música clásica popular del siglo XX ya que los compositores para cine como el legendario Ennio Morricone, Nino Rota, John Williams, Hans Zimmer o Angelo Badalamenti transmiten el lenguaje tonal y armonías del impresionismo y otros movimientos clásicos pero rebajan su complejidad y así sustituyen a la música clásica en el imaginario del colectivo mayoritario, alienados afectiva y emocionalmente de los experimentos serialistas, dodecafónicos y experimentales que hacen de la música culta un coto cerrado para una elite especializada Para el autor español Javier Blánquez, compilador del libro “Loops, una historia de la música electrónica” aquí se halla un pilar de las actuales composiciones del neoclasicismo electrónico, ya que “compositores como Max Richter o Jóhann Jóhannsson se sirven de la electrónica únicamente para enriquecer unas partituras que andan a caballo entre la música fílmica de Mychael Nyman y el llamado minimalismo sacro de John Taverner, Henrik Gorécky y el idolatrado compositor estonio Arvo Pärt.” Uno de los artistas más interesantes del neoclasicismo, Keith Kenniff, ha firmado obras cruciales bajo el apolíneo nombre Helios y Golmund, trabajos que documentan la influencia de las bandas sonoras y el movimiento del rock “indie” en la nueva electrónica paisajística, al construir a partir de un puñado de notas de piano una sinfonía orgánica en constante evolución. El artesano sonoro de discos de ambient fílmico como Unomia (2004), Eingya (2006) y su reciente Ayres (2007) gusta de “películas lentas en las que no ocurre casi nada y cuando la música suena se puede de verdad escuchar. Y suele ser una música hermosa, sutil.”

Otro factor relevante es el creciente desinterés en la electrónica pura y el regreso al uso de instrumentos acústicos en todo tipo de grabaciones contemporáneas, desde el house “orgánico” de finales de los años noventa al pop electrónico de la variopinta e influyente hada islandesa Bjork, quien retoma elementos acústicos y se apoya en orquestas en discos como Homogenic (1997) Vespertine (2001) y Medulla (2004). La posterior llegada del movimiento “indietrónico” en los turbulentos inicios del nuevo milenio, con sellos de electrónica melancólica y pop de cámara como los germanos Morr Music, City Centre Offices, Karaoke Kalk o Payola, consolidan el retorno acústico y la sonoridad orquestal dentro de la creación electrónica gracias al genio de artistas como el danés Jonas Munk Jensen (Manual), el minimalismo del germano Jörg Follert (Wunder, Wechsel Garland), las melodías cinemáticas del belga Arne Van Petegem (Styrofoam) , la cristalina belleza ambiental de la dupla de Antony Ryan y Robin Saville (Isan) y muchas memorables composiciones de Arovane, Lali Puna, Herman & Kleine, Schneider TM, Max de Wardener y Solvent . Estos músicos y buena parte de los mencionados previamente comparten el gusto por el impresionismo, música ambiental, orquestas tonales y suntuosas, bandas sonoras, pianos resonantes y electrónica minimalista, creando una música plena de sentimiento, eclecticismo y grandeza.

Brian Eno, maestro "no músico" creador del ambient electrónico

Susumu Yokota

Listas y más listas que solo el tiempo podrá decantar

2009-01-26T11:39:00.000-08:00

Listas que retan a la historia
1001 discos que hay que escuchar antes de morir es un libro con un título algo siniestro, pero de enorme atractivo por su formato compacto y las novecientas y tantas páginas que intentan compilar una “lista definitiva” de algunos de los mejores discos editados en los últimos cincuenta años- Un volumen que resulta de amena lectura gracias a la pluma apasionada e incisiva de noventa críticos musicales y un estupendo contenido visual de portadas y fotos de artistas.
El británico Robert Dimery y el norteamericano Michael Lydon, uno de los cofundadores de la revista Rolling Stone, han reclutado a una plantilla internacional de críticos que en su mayor parte proceden del ámbito anglosajón (incluidos Australia, Nueva Zelanda y Canadá), pero también hay colaboradores de Italia, Polonia y España.
En la introducción Robert Dimery comenta que “el alcance de este libro le permite al lector volver a examinar las críticas aceptadas de forma unánime sobre lo bueno y lo malo a lo largo de estos cincuenta años. Como es lógico, la elección de este conjunto de álbumes es por completo subjetiva y como editor asumo gran parte de la responsabilidad de esta recopilación… Espero que la mezcla de artistas y géneros aquí dispuesta os resulte estimulante como introducción a algunos de los mejores discos grabados en el pasado medio siglo”.
En orden cronológico, el libro se inicia con el disco In the wee small hours (1955), de Frank Sinatra y culmina con Get behind me Satan (2004), de The White Stripes, cubriendo diferentes géneros como el jazz, rock, pop, soul, country, cantautores, reggae, electrónica, étnica y algún otro estilo más indefinible. Sin embargo, a decir verdad, el rock, el indie y el pop son la apabullante mayoría de las reseñas, dejando con un regusto a conservadurismo a los amantes de la exploración avant-garde, los amantes de la electrónica más exploradora o los seguidores de las “otras músicas” (ya sea pop latino, étnica, neo folk, nu-jazz, etc).
En cada reseña –generalmente a página completa - se incluye la ficha de cada disco, la portada, y, en la mayoría, también la lista de temas con los autores y la duración de cada uno. También hay abundantes fotos de muchos de los artistas más celebres. Los comentarios son muy informativos pero no se detienen en datos biográficos de los artistas más allá de lo que pueda interesar para explicar las razones de la importancia de dicha placa y en el libro no se reseñan compilados o trabajos que solo hayan escalado las carteleras musicales por ser muy vendedores. En resumen, muchos de estos discos han entrado ya en la historia y otros se han mantenido en cenáculos minoritarios de la música de culto y se pueden echar de menos decenas de artistas. Por poner un ejemplo, en el ámbito latino aparecen solo Bebel Gilberto, Tito Puente, Rubén Blades y Willie Colón, pero no incluye a una celebridad como Celia Cruz ni álbum alguno grabado por artistas españoles.
Otro aspecto muy interesante del libro es poder ver unas ochocientas portadas de tantos y tantos clásicos, cubiertas que son símbolos indelebles de lo que ocurre cuando artistas plásticos y músicos colisionan creativamente para diseñar un envoltorio gráfico, lo que muchas veces sirvió para difundir lo mejor del arte pop del último cuarto de siglo. ¿Quien no recuerda el arte del disco Sgt Pepper´s Lonely Hearts Club Band de Los Beatles?, un verdadero hito que cambió para siempre el arte de las portadas de discos, creaciones que posteriormente parecieron heridas mortalmente al surgir en los ochenta el formato CD a un tercio del tamaño de los venerables discos de vinilo pero que aún así ha sobrevivido y mutado en los últimos años.

Nuevas direcciones para bajar el mix Solsticio Invernal de Manuel Lebon

2008-12-29T09:26:00.000-08:00

Queridos amigos de la blogosfera:

Aquí les entrego con todo cariño mi compilado de la temporada con los temas que más he amado en 2008 y muchas sorpresas melodiosas que se suceden a lo largo de dos horas de mezcla, confeccionada con la ayuda invaluable de mi productor Robert Rabbath en su estudio casero en varias noches de este diciembre.

Compilado Solsticio Lebotrónico Invernal 2008 en un mix de Robert Rabbath y compilación, secuenciación de Manuel Lebon

Enlaces para bajarlo:

http://tinyurl.com/6us6p9

o también

http://rapidshare.com/files/181578515/Compilado_Solsticio_Lebotr_nico_Invernal_2008__Mix_Robert_Rabbath-_Direccion_Manuel_Lebon_.mp3

Algunos de los mejores discos pop de 2008

2008-12-28T06:45:00.000-08:00

1.- Crystal Castles – Crystal Castles (Last Gang)

En terminos de fidelidad, la musica hecha por el dúo canadiense Crystal Castles no tiene precedentes históricos ya que son dos punk de Toronto que hacen un tipo de pop sintetizado y distorsionado que suena mejor en cornetas baratas para computadora o en audífonos para Ipod, que en un equipo de sonido de alta fidelidad. La dupla de la vocalista Alice Glass y el percusionista y productor electrónico Ethan Fawn se conocieron mientras pagaban una condena con trabajo social y tomaron su nombre de un juguete y no –como muchos suponen- del juego de Atari de 1983 con el mismo nombre. Sin embargo, su sonido es una interesante amalgama del dance “nu rave” de grupos como Liars o Klaxons (a quienes remezclaron), los momentos más cacofónicos de los Velvet Underground y la estética del sonido incidental de 8 bits creado por los afamados compositores de Nintendo, Yoshihiro Sakaguchi y Koji Kondo. Curiosamente, y al igual que otras bandas contemporáneas, Crystal Castles salió del sitio web de relaciones musicales Myspace.com, y al parecer fue por accidente como les pasó a Arctic Monkeys o a Lilly Allen. Alice Glass estaba practicando con unos sintetizadores y su compañero de banda la grabo sin comunicárselo y así nació la canción que los lanzo a la fama en 2005: Alice Practice. La secuencia de este álbum es más bien cronológica y sigue a una serie de Ep´s publicados en los últimos tres años, alternando cortes chirriantes como Xxzxcuzx Me y Crimewave, con interludios pop más ambientales y gentiles como la soberbia Magic Spells o la casi angelical Tell Me What to Swallow. Una banda revelación y una fresca protesta al conservadurismo y dogmas del pop.

2.- Hot Chip – Made in the Dark (EMI)

Así de fuerte es lo que Hot Chip está expresando: un nuevo concepto musical que justamente se podría llamar sonido consolidado, a fin de cuentas. Pero para ellos no todo fue reproducir en estudio lo que observaron, puesto que aportaron más que imitaron: lograron con sintetizadores lo que Jimmy Page con su guitarra y suplieron recitales multitudinarios por sonido ambiente en sus tracks. Y eso habla del nivel de una buena banda que logra dar con lo que está pensando y con lo que está ocurriendo entre sus integrantes.

3.- Hercules And Love Affair - Hercules And Love Affair (DFA Records)

Esta deliciosa propuesta musical de reminiscencias setentosas brota de la imaginativa mente del joven norteamericano Andrew Butler, quien vive hace una década en Nueva York y compone piezas con una mezcla dance pulsante, glamorosa -pero también elegíaca- de refinadas influencias clásicas del disco music como los arreglos de cuerda del soul de Filadelfia en Gamble & Huff y la sensibilidad camp de íconos pasados como Sylvester, Arthur Russell o Patrick Cowley; esto además con dosis de intrumentación en vivo y una refinada producción electrónica. En este último apartado es importante señalar la contribución del creador del exitoso sello DFA, Tim Goldsworthy, co-productor del álbum y programador de estos diez excelentes temas rítmicos, repletos además de sensuales vocalizaciones por parte del notable y meláncolico cantante Anthony Hegarty (del proyecto Anthony and the Johnsons), la orfebre y Dj Kim Ann Foxman y la colaboradora del grupo Cocorosie, Nomi. Hegarty participa en cuatro de los diez temas que componen el disco, entre ellos el exitoso sencillo de presentación de este trabajo, Blind, donde aporta la delicadeza y sensibilidad a las que nos tiene acostumbrados al frente de su banda, pero esta vez mostrando una capacidad desconocida para adaptarse a estilos más cercanos a la pista de baile. En 2005 se publicó I Am a Bird Now, el segundo trabajo de Anthony and the Johnsons, con el que consiguió llegar a un público masivo y ganó el Mercury Music Prize de ese mismo año. En es placa colaboró Lou Reed, que anteriormente ya había requerido la participación de Hegarty en The raven, su último álbum de estudio, además de Rufus Wainwright, Devendra Banhart, y Boy George, el vocalista de The Cure. No todo en este proyecto Hercules & Love Affair ha sido diseñado como música dance ya que el tema de apertura Time Will, uno de los mejores momentos de todo el álbum, se aparta algo del standard disco para entregar una canción amorosa; por su parte, Iris detiene el ritmo house y despliega un dramático desarrollo vocal mientras al fondo juguetean trompetas y sintetizadores; y Easy sugiere una trayectoria alternativa en el pop para esta producción donde la mayor parte de los temas se manejan confortable entre los 110 y 120 bpm.

4.- Portishead – Third (Mercury / Island)

Una primera escucha del tercer álbum de estudio de este legendario trio de Bristol, conformado por Geoff Barrow, Beth Gibbons y Adrian Utley, compuesto tras once años de silencio, te obliga a dejar de lado categorías como el trip hop y los sonidos que siempre hemos asociado a Portishead: causa más admiración que amor por sus sintetizadores musculosos, quiebres percusivos y finales abruptos (Nylon smile , Plastic) que mantienen alta la tensión; hay un extrañamiento que provocan los once surcos de Third, aunque hay elementos familiares, fragmentos reconocibles que evocan las construcciones melódicas atmosféricas y ese sonido oscuro cargado de tristeza aderezado por la inolvidable voz de Beth Gibbons (Hunter, Magic Doors), siempre capaz de transmitir emociones y desgarramientos; sin embargo, luego de varias escuchas la majestad de Third se va desenvolviendo con elementos de krautrock metronómico, texturas orgánicas y un minimalismo sonoro que confluyen en la espectacular canción We Carry On, tan alejada de lo que conocemos como trip hop como cercana a los experimentos electrónicos de los Silver Apples. Toda la tensión desplegada en ese tema es disuelta en Deep water, una canción acústica sobre ukelele y con coro de voces masculinas. Sin embargo, ofrece sólo un breve respiro, pues Third continúa con Machine Gun, uno de los temas más agresivos del disco y cuyos sintetizadores parecen una metralla sónica, creando un sonido industrial y abrasivo en su desarrollo. Otra vez se hace necesaria una descarga emocional, función que cumple en sus primeros segundos Small, con la suavidad de Gibbons acompañada de unas notas en guitarra pero a los dos minutos entra una melodía sintetizada al estilo Stereolab hipnotizante. Un álbum compuesto de inquietantes extremos sonoros que no entrega sus tesoros fácilmente.

5- Cut Copy - In Ghost Colours (Modular)

El Segundo larga duración del grupo australiano Cut Copy llega con el brillo incandescente del neón desde las antípodas, con una impresionante mezcla de indie pop sintetizado, toques de house y pulsante electrónica sicodélica y con certeras influencias de los años ochenta, en particular un cálido homenaje a los inolvidables New Order de Manchester. Desde la edición de su impactante debut en 2004 con el maravilloso Bright Like Neon Love, el trío de Melbourne ha dado mucho que hablar con su exquisito gusto musical, patente en la soberbia sesión compilada para Fabric 29 (2006) en donde fusionaron elementos venidos de la new wave, funk, electro, pop y disco music. Su nuevo larga duración, In Ghost Colours, ha sido publicado en Modular, el mismo sello que lanzó a grupos de éxito global como The Presets y New Young Pony y sigue la misma estela sonora de su primer trabajo. Cabe destacar que en la producción ha colaborado Tim Goldsworthy que, junto al polifacético James Murphy, también conocido por su rompedor proyecto LCD Soundsystem, dirigen la disquera DFA en Nueva York. Precedido el año anterior por el eufórico corte new wave Hearts on Fire y el reciente sencillo Lights and Music (que ya ha sido remezclado por gente de la talla de Boys Noyse o Etienne De Crecy), el álbum seduce por sus poderosas armonías, estupendas letras y una sólida ejecución instrumental, entre el pop independiente y los ritmos bailables. “ Nos gusta cuando el pop se torna algo raro” afirmó el guitarrista Tim Hoey, quien junto a la expresiva voz de Dan Wittford confeccionan una placa impredecible donde encontramos alusiones a la melancolía new romantic, propia de Ultravox, New Order o Spandau Ballet, en temas como Far Away o Out There On The Ice, este ultimo adornado con unos esplendidos toques del sonido del disco music tardío, que también tienen un sitio predominante en piezas como Feel The Love. Hay interludios ambientales de gran belleza y reminiscencias krautrock como We Fight for Diamonds, Voices in Quartz y Silver Thoughts. La impecable balada Strangers in the Wind es una gema pulida y suave como el ambar donde planea el pop perfecto del cuarteto de Manchester mientras que en Nobody Lost Nobody Found hay ecos al mejor Giorgio Moroder. Una muestra de pop de altos vuelos y quizás el mejor álbum de 2008.

6.- The Notwist - The devil, you + me (Domino)

El grupo comandado por el letrista, guitarrista y vocalista de inconfundible voz, Markus Acher retoman las riendas oscuras que jalan su pop perfecto, adictivo y venenoso tras marcar pauta con el celebrado disco Neon Golden (2002). En el interin los miembros del grupo estuvieron ocupados con proyectos paralelos que incluyen Lali Puna, Console, Ms. John Soda, 13 + God, y el Tied + Tickled Trio. En una primera escucha lo que más sorprende de este álbum es su similaridad a su maravilloso y emotivo predecesor, repitiendo la fórmula mágica de mezclar canciones de rock y una producción densamente electrónica. De hecho los arreglos del programador y tecladista Martin Gretschmann tienen la rara habilidad de crear convincentes ornamentaciones basadas en samples y collages electrónicos,tal y como se observa en uno de los temas más complejos creados por The Notwist hasta la fecha, Where in this World, abrumadora en su sentido de intimidad y vulnerabilidad. Por su parte, el corte inicial y sencillo promocional Good lies posee una trama de guitarras ligeras en riffs repetitivos que logra una subida emotiva y sencilla, dejando en claro las ganas por comunicarse en un lenguaje más físico, aunque sólo sea la apariencia y puerta de bienvenida de un disco donde las guitarras manipuladas electrónicamente y los samples orquestales no distraen u obscurecen a las sencillas canciones acústicas que se desarrollan bajo la superficie. Al igual que Neon Golden, hay un ligero, grácil pero a la vez hermético sentido anacrónico en The Devil, You + que recuerda sus trabajos de los años 90, particularmente en los momentos más orientados al rock,y en temas como On Planet Off; sin embargo lo mejor del disco es su diversidad y capacidad de definir en forma rotunda los mejores sonidos para cada melodía, eligiendo también la manipulación más fina y en función de la integración de recursos: como muestra dos gemas pulimentadas en estado de gracia, Boneless y el corte que da nombre al disco.

7.- Bon Iver - For Emma, forever ago (Jagjaguwar)

Al norteamericano Justin Vernon se le hizo necesario desconectarse del mundo durante tres meses en una vieja cabaña de cazadores que su propio padre construyó en 1979 en un denso bosque de Wisconsin para completar las nueve emocionantes canciones de este poético álbum debut de corte indie folk. Su voz de falsete, una guitarra acústica, toques electrónicos, palmas, baterías y hasta una bota de piel golpeando el suelo para recordar el ritmo, le ayudaron a crear un prodigio que no alcanza los cuarenta minutos de duración pero rebosa de hermosas y ondulantes canciones de letras crípticas como Flume, la preciosa Lump Sum, la épica The Wolves o la misteriosa Creature Fear. Impresionante fruto del aislamiento, la gentileza y la tristeza.

8.- Sigur Ros - Med Sud I Eyrum Vid Spilum Endalaust (XL)

Grabado entre Nueva York, Londres, Reykjavík y La Habana, Med Sud I Eyrum Vid Spilum Endalaust (algo así como Con un zumbido en los oídos tocamos sin parar, en islandés) es el primer disco de Sigur Rós que se ha grabado fuera de Islandia y también el primero en el que su cantante Jónsi Birgisson -conocido por componer en un idioma inventado llamado Hopelandish- interpreta en inglés una canción. El cuarteto anda en la búsqueda de nuevos caminos y muestra un optimismo inédito, una “joie de vivre”, que sobresalta el corazón de sus fieles seguidores. Creadores de esa obra maestra etérea de extraño nombre y misterioso arte, Agaetis Byrjun (Un buen comienzo) en 1999, el grupo tuvo un ascenso meteórico entre los cultores de la “otra música” y en 2002 fueron capaces de vender más de 500.000 ejemplares de una rareza como "()", álbum que incluía ocho canciones sin título. En 2005 lograron consolidarse en la escena independiente internacional con Takk... y recientemente sacaron nuevas versiones orquestales de algunos de sus mejores temas en el mini disco Heim. El sencillo promocional Gobbledigook se refiere a un lenguaje encriptado de aparente sin sentido pero es también una canción de urgente sonido tribal y folk percusivo que nos recuerda los experimentos de Animal Collective, vertida además a un espectacular vídeo realizado en colaboración con el fotógrafo norteamericano Ryan McGinley y donde un grupo de jóvenes corretean desnudos por una prístina área costera. El tema Inní Mér Syngur Vitleysingur subraya también la inquietud de cambio de la agrupación, situándose a base de percusiones en algún lugar entre ellos mismos, Caribou o el mencionado Animal Collective y a lo largo del disco, Sigur Rós sigue dando sorpresas con puñado de emotivos cortes que nos hacen despegar del suelo hacia paisajes que van de la minúscula fragilidad de All Alright (el corte cantado en inglés); o la música cuasi litúrgica de Festival; o la explosión épica final de Ára Bátur, grabada con la participación de noventa personas: la London Sinfonietta y el London Oratory Boy’s Choir). Un álbum solar y entrañable que brota como las aguas termales de la gélida y aspera Islandia.

9.- Foals - Antidotes (Transgressive/Sub Pop)

La sorpresiva agrupación del británico Yannis Philippakis y sus antiguos compañeros de estudio en Oxford debutan con un larga duración pleno de inteligentes temas al estilo punk funk inspirado en grupos como The Rapture o bandas de la escudería DFA, con piezas de percusiones inventivas de Jack Bevan -que va de lo milimétricamente preciso a lo tribal- líneas de bajo que recuerdan a The Cure y melodías pegadizas; un sonido que ya había causado sensación con los sencillos Mathletics y Hummer, extrañamente excluídos de este álbum. Es un quinteto marcadamente bailable, pero que tiene sus orígenes tanto en las fiestas “nu rave”como en el complejo “math rock” de finales de los años ochenta de grupos como Don Caballero. Esto queda claro al oír la primera canción del disco, The French Open, en la cual resaltan también los vientos aportados por la genialidad afro beat de Antibalas. Hay más cambios en el primer minuto y medio de este tema que Franz Ferdinand en una canción completa y todo esto involucrando unos ritmos elaborados junto con un simple y repetido coro en francés. El diminuto vocalista Yannis Philippakis evidentemente se preocupa más por sentimientos que en la coherencia de las letras, como se escucha en Cassius, el segundo y vibrante sencillo del disco, con trombas sonando en unísono con riffs pesados de guitarra. El otro sencillo, Balloons es posiblemente el punto más alto del álbum, sin duda post-punk en su más espléndida y majestuosa forma haciendo recordar por qué detrás de texturas ominosas siempre es posible al menos mecer la cabeza al ritmo de la música. Notoria la mano del músico y productor Dave Sitek (de TV on the Radio), con un sonido afilado que se ampara en los detalles, como los vientos y los ambientes más cercanos a la continuidad pegajosa del pop que al sonido fracturado del math rock. Un excelente antídoto contra la monotonía y el cliché, que tanto abundan en la música de hoy.

10.- M83 - Saturdays=Youth (Mute)

El sonido de M83 se descomprime con esta nueva entrega, se arropa de romanticismo y gana elegancia, lo que seguramente definirá la música de Anthony Gonzalez en adelante. Abriendo la paleta de efectos y sutilezas al resto de sus habituales colaboradores, estas son canciones de pop-shoegaze, con una sensibilidad fina y expresiva, quizá muy azucarada para ciertos fans del rudismo caótico y de trance apocalíptico de sus primeras producciones, aunque nadie se quejará cuando repita ciertos tracks una y otra vez…

11.- Lykke Li - Youth novels (LL)

De nombre casi impronunciable, Lykke Li Timotej Zachrisson vuelve a confirmar con creces la excepcional productividad musical de la tierra de ABBA, The Cardigans y la fabulosa Sally Shapiro. Tras crear mucha expectativa con la enorme aceptación en You Tube del vídeo de su sencillo promocional Little Bit, la joven de 21 años estrena una magnífica ópera prima, Youth Novels, que la convierte de inmediato en una de las reinas del indie pop global. Esta placa de doce cortes -producida por Björn Yttling de Peter, Björn And John- mezcla la electrónica más primitiva de sintetizadores, theremines y celestes con guitarras acústicas, pianos y cencerros de vaca que suenan a cristal caro, todo arropado por una voz aguda, frágil y suntuosa que trasmite con arrolladora perfección dispares sentimientos como el dolor, la pasión y el romance.

13.- Santogold - Santogold (Downtown)

La joven norteamericana Santi White ha debutado con el proyecto solista Santogold con la firme voluntad de sonar diversa y no acorralarse en un solo estilo; un ejercicio de convincente imitación que puede sonar tanto a ragga o cavernoso dub jamaiquinos; a pop de toques electrónicos; acercamientos al rock guitarrero de Pixies o a los devaneos rítmicos new wave de Blondie. Comparte su esperada puesta de largo con John Hill, bajista de su anterior banda Stiffed y responsable junto a ella de la composición de la mayoría de los doce deslumbrantes temas de esta placa, donde además hay colaboradores de lujo como Diplo, Freq Nasty, Naeem Juwan y DJ XXXChange de Spank Rock, Chuck Treece de Bad Brains, la cantante cingalesa M.I.A (con quien se la compara frecuentemente); y finalmente, su productor Switch, todos ellos amigos suyos. Nacida en Filadelfia en 1976, Santi White es una chica de color de amplia melena teñida de rubio, llamativos lentes de sol y un abundante uso de collares dorados –el oro que inspira su nombre artístico- que ha logrado deslumbrar con su imponente figura a los exigentes círculos alternativos de Manhattan y de lo más “hype” en el MySpace. A pesar de ser relativamente desconocida Santi White ha estado implicada desde hace años en el negocio musical, ya que formó parte de un grupo de onda new wave llamado Stiffed, trabajó en Epic como A&R y ha colaborado con Mark Ronson y Spank Rock, además de haber trabajado como compositora a sueldo para Lilly Allen e incluso Ashlee Simpson. “Creo que Santogold es algo así como una evolución de lo que empecé con Stiffed y haber podido trabajar con diferentes productores me ha ofrecido la oportunidad de probar cosas que no hubiera podido hacer”, dijo la cantante. Su primer sencillo L.E.S Artistes se acerca al indie pop con gran desparpajo y un ritmo metrónomico incendiario que también se podrá escuchar en la también hermosa Unstoppable; por otro lado, canciones como You´ll Find a Way y Lights out muestran una faceta pop-rock agradable y reposada de arreglos sutiles y efectivos. En Say aha y la misteriosa Anne, se denotan influencias del new wave de los ochenta y en el caso del primer corte, su contagioso ritmo lo hace perfecto para triunfar en las pistas de baile. Un debut imperdible

14- MGMT - Oracular Spectacular (Columbia)

El dúo norteamericano integrado por Andrew VanWyngarden y Ben Goldwasser, con variadas melodías de pop psicodélico, más un sonido electrónico, ochentero y nihilista, dieron forma a uno de los discos más encendidos del último tiempo. Temas como “Kids”, “Electric Feel” o “Time to pretend”, dan material de sobra para el libre lanzamiento sobre la pista de baile, mientras que “Weekend Wars” y “The Youth” son piezas alucinadas y principalmente entretenidas que completan un disco seriamente adictivo.

LAS CANCIONES DEL AÑO EN EL MUNDO ELECTRÓNICO

2008-12-27T12:11:00.000-08:00

Resident Advisor

Otra magnífica lista de la pagina especializada en musica electronica Resident Advisor, que hace cobertura con la lista electronica mas importante de los ultimos 12 meses con un variado top entre artistas, remixes, sellos y canciones que mas pegaron en las pistas de baile de todo el mundo.. aqui esta el Top de las 30 canciones mas importantes segun RA..

30. Sebo K - Diva [Mobilee]
29. Melchior Productions Ltd - Who Can Find Me (I Can’t) [Cadenza]
28. Seth Troxler - Love Never Sleeps [Crosstown Rebels]
27. Donnacha Costello - Trust [Minimise]
26. dOP - I’m Just a Man [Eklo]
25. Portable - Release [Perlon]
24. Martyn - Natural Selection [3024]
23. Syclops - Where’s Jason’s K [DFA]
22. Appleblim & Peverelist - Over Here [Skull Disco]
21. DJ Koze - Zouzou [Kompakt]
20. Invisible Conga People – Cable Dazed [Italians Do It Better]
19. Move D & Benjamin Brunn - Honey [Smallville]
18. Appleblim & Peverelist - Circling [Skull Disco]
17. Stimming - Una Pena [Diynamic]
16. Dave Aju - Crazy Place [Circus Company]
15. The Juan Maclean - Happy House [DFA]
14. Ricardo Villalobos - Enfants (Chants) [Sei Es Drum]
13. Sound Stream - “Live” Goes On [Sound Stream]
12. tobias. - I Can’t Fight the Feeling [Wagon Repair]
11. My My - Everybody’s Talkin’ [Playhouse]
10. Lawrence - Miles [Dial]
09. SIS - Nesrib [Cécille]
08. Move D - Drøne [Modern Love]
07. Omar-S - Psychotic Photosynthesis [FXHE]
06. Hercules & Love Affair - Blind [DFA]
05. Johnny D - Orbitalife [Oslo]

04. The Mole - Baby You’re the One [Wagon Repair]

03. Shackleton - Death Is Not Final [Skull Disco]

02. Ricardo Villalobos - Minimoonstar [Perlon]

01. DJ Koze - I Want to Sleep [IRR]

Los mejores pinchadiscos de 2008 según Resident Advisor

2008-12-27T08:52:00.000-08:00

TOP DJ´S DEL MUNDO

Ricardo Villalobos es el DJ #1 del año 2008 según un sondeo hecho por la prestigiosa revista on-line Resident Advisor. En un intento por tener una representación más fiel de la comunidad electrónica universal y no caer en los habituales clichés de revistas comerciales como Dj Mag, Resident Advisor dejó la responsabilidad de la votación del 2008 en manos de sus usuarios registrados. No como sucedía en años anteriores, donde las votaciones eran abiertas a un público que no tenía mucho conocimiento sobre el medio, y que finalmente transformaba al concurso en una mera votación de popularidad con resultados harto cuestionables según parametros de calidad y nivel. Villalobos es capaz de despertar los mayores odios o los mejores halagos, tiene a su favor la curiosidad del público. Sea como sea, este artista chileno-alemán, ha logrado colarse en los oídos de todo el que se interesa por la música electrónica más allá de la que suena en los clubes y reproducen en la radio. En cualquier conversación sobre gustos musicales, alguien terminara por entrar a debatir sobre la calidad o engaño de Ricardo Villalobos como músico controversial.

La lista de los 5 primeros continúa con el minimal del creador canadiense Richie Hawtin en el #2, luego el sensacional chileno Luciano en el #3, y los ingleses John Digweed y Sasha en el #4 y #5 respectivamente. Un buen parámetro para comparar es el ranking hecho por la revista online DJ Mag, donde la votación es abierta a todo tipo de público, que tuvo al gris Armin Van Buuren como su DJ #1, quien figura #36 en el ranking de Resident Advisor. Ni hablar de DJs como Tiësto o Paul Van Dyk, que figuran en los #2 y #3 de DJ Mag, pero que en Resident Advisor casi ni figuran como merecen. Tiësto no aparece dentro de los 100 primeros, mientras que Paul Van Dyk figura #72 .

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He aquí las lista completa de la impecable publicación digital británica Resident Advisor

100. Skream
99. Petre Inspirescu
98. Justin Martin
97. Audiofly
96. Pan-Pot
95. Extrawelt
94. Todd Terje
93. Rhadoo
92. Dominik Eulberg
91. Eric Prydz
90. Tim Sweeney
89. Agoria
88. Tiefschwarz
87. Nic Fanciulli
86. Andrew Weatherall
85. Nick Warren
84. Paul Kalkbrenner
83. Derrick May
82. Minilogue
81. Derrick Carter
80. Greg Wilson
79. Satoshi Tomiie
78. Sascha Funke
77. Daniel Bell
76. Jus-Ed
75. Stefan Goldmann
74. Jamie Jones
73. Jimpster
72. Paul Van Dyk
71. Ryan Elliott
70. Alex Under
69. Francois K
68. Zip
67. Appleblim
66. Mathias Kaden
65. Tiesto
64. Solomun
63. Matthias Tanzmann
62. Jeff Mills
61. Sebo K
60. Troy Pierce
59. Ben Watt
58. Danny Tenaglia
57. Dave Clarke
56. Seth Troxler
55. Prins Thomas
54. Donato Dozzy
53. Prosumer
52. Josh Wink
51. Anja Schneider
50. Onur Özer
49. Wighnomy Brothers
48. DJ Koze
47. Ewan Pearson
46. Ivan Smagghe
45. Craig Richards
44. Boys Noize
43. Theo Parrish
42. 2 Many DJs
41. Michael Mayer
40. Ben Klock
39. Lawrence
38. Aeroplane
37. Damian Lazarus
36. Armin Van Buuren
35. Joris Voorn
34. Carl Cox
33. Claude VonStroke
32. Ellen Allien
31. M.A.N.D.Y.
30. Steve Lawler
29. Marco Carola
28. Steve Bug
27. Âme
26. Erol Alkan
25. Cassy
24. James Zabiela
23. Move D
22. Raresh
21. Hernan Cattaneo
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Top20
20. Carl Craig
19. Radio Slave
18. Adam Beyer
17. Loco Dice
16. Efdemin
15. James Holden
14. Matthew Dear
13. Danny Howells
12. Dubfire
11. Marcel Detmann
10. Lee Burridge
09. Magda (Nº1 en la mas linda jaja)
08. Dixon
07. Laurent Garnier
06. Sven Vath
05. Sasha
04. John Digweed
03. Luciano
02. Richie Hawtin
01. Ricardo Villalobos

En comparación vean la mediocre lista de la populachera "Billboard" del mundillo electrónico, DJ Mag...Esto si da asco!!

TOP #20 DJs - DJ Mag: 1) Armin Van Buuren; 2) Tiësto; 3) Paul Van Dyk; 4) Above & Beyond; 5) David Guetta; 6) Ferry Corsten; 7) Sasha; 8/ Markus Schulz; 9) John Digweed; 10) Infected Mushroom; 11) Deadmau5; 12) Carl Cox; 13) Sander Van Doorn; 14) Paul Oakenfold; 15) Richie Hawtin; 16) Hernan Cattaneo; 17) James Zabiela; 18) Andy Moor; 19) Eddie Halliwell; 20) Axwell

Space Disco para bailar en Navidad

2008-12-26T08:17:00.000-08:00

El noruego Thomas Moen Hermansen es uno de los renovadores del sonido disco contemporáneo. Su trabajo más conocido hasta la fecha lo ha grabado conjuntamente con otro de los productores de moda en esta senda, Hans Peter Lindstrøm. Un álbum titulado de manera homónima, Lindstrøm & Prins Thomas, que grabaron en 2005 para el sello más importante en esta onda del revival disco-espacial, Eskimo Recordings. Un muestrario de disco psicodélico que ha enamorado a media Europa por su calidad y elegancia y, sobretodo, mostrándose al mundo con cierto aire de clásico moderno. En solitario, Prins Thomas irrumpió en el panorama editorial un año antes con referencias para sellos como Rong Music -Diskomiks EP-, Full Pupp -Goettsching- y Trailerpark Recordings -Juling I Ringen EP-, este último a medias con Blackbelt Andersen. En 2007 debuta en el sello Kompakt con un E.P. que también comparte con el lado más pop del sello alemán, Justus Köhncke: Elan (Kompakt, 153). También puedes seguirle la pista a través de su alias Major Swellings con el que ha grabado un álbum del mismo nombre en el sello Noid Recordings. Es de escucha obligada su exquisito álbum doble de 2007 Cosmo Galactic Prism, una obra maestra absoluta señalada por muchos medios como uno de los compilados más imaginativos y brillantes de 2007, algo que comparto plenamente...

Este es el vínculo para bajar esta deliciosa sesión

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